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sexta-feira, 30 de março de 2012
Thin Lizzy
Thin Lizzy é uma banda de hard rock da Irlanda, formanda em Dublin no ano de 1969. A banda foi liderada, ao longo de sua carreira, pelo cantor e compositor Phil Lynott, e são conhecidos por hits como "Whiskey in the Jar", "Jailbreak" e "The Boys Are Back in Town", todos sucessos internacionais tocados regularmente em estações de rádio especializadas em hard rock e rock clássico. Após a morte de Lynott, diversas encarnações da banda surgiram ao longo dos anos, que culminaram numa formação mais estável baseada em torno dos guitarristas Scott Gorham e John Sykes. Sykes abandonou a banda em junho de 2009.
Como líder do Thin Lizzy, Lynott compôs ou co-compôs a maior parte das canções da banda. Também foi um dos poucos negros a conseguir algum sucesso significativo no hard rock. Além de ser multirracial, a banda também se notabilizou por recrutar membros em ambos os lados da fronteira irlandesa (com membros nascidos na Escócia, Irlanda do Norte, Inglaterra e, ainda, Estados Unidos), e das comunidades católica e protestante da ilha. Sua música reflete uma ampla gama de influências, incluindo a country music, o rock psicodélico, a música irlandesa e a música tradicional folclórica daquele país; porém é classificada geralmente como hard rock ou, por vezes, heavy metal.] A revista Rolling Stone descreveu a banda como "distintamente hard rock", "muito distante da matilha zurrante de meados da década de 70".
John Dougan, crítico do site Allmusic, escreveu que "como a força criativa da banda, Lynott era um compositor mais inteligente e perspicaz que muitos de sua classe, preferindo os dramas de amor e ódio cotidianos da classe operária, influenciado por Bob Dylan, Van Morrison, Bruce Springsteen e virtualmente quase toda a tradição literária irlandesa." Van Morrison, Jeff Beck e Jimi Hendrix foram grandes influências durante o início da banda, e entre as influências posteriores estão os artistas americanos Little Feat e Bob Seger.. Em maio de 2010 foi anunciado pelos remanescentes do thin lizzy um retorno com uma nova formação para 2011.
Em 1970, assinaram com o selo Decca, onde lançaram três álbuns e uma série de compactos. Nos dois primeiros álbuns, Thin Lizzy e Shades of Blue Orphanage, o estilo ainda era centrado em uma mistura de folk e blues. No terceiro álbum, Vagabonds of the Western World, eles optaram por um som mais pesado. Conseguiram colocar nas paradas de sucesso os singles "Whiskey in the Jar" e "The Rocker". A banda começava, enfim, a ter sucesso[9].
Em 1973, Eric Bell deixou a banda e foi substituído, temporariamente, por Gary Moore, amigo de muitos anos de Phil Lynott (ambos não eram nascidos na Irlanda). Trocaram o selo Decca pelo Vertigo. O escocês Brian Robbertson e o americano Scott Gorhan assumiram as guitarras. O Thin Lizzy estava pronto para decolar[9].
Gravaram Nigh Life (1974), Fighting (1975) e estouraram para o mundo com o álbum Jailbreak em 1976. Seguiram-se os álbuns Johnny the Fox e Bad Reputation, ambos de 1977. O Thin Lizzy já era reconhecido como um super-grupo[9].
Em 1978, veio a consagração definitiva: foi lançado o álbum Live and Dangerous, considerado até hoje um dos melhores "ao vivo" de todos os tempos. Brian Robbertson deixou o grupo. Mais uma vez, Gary Moore foi chamado. Com esta formação, gravaram o álbum Black Rose em 1979. O sucesso continuou[10].
O ano de 1980 chegou e a banda começou a ter problemas. Phil Lynott começou a se afundar nas drogas. Gary Moore deixou a banda e foi substituído por Snowy White, "ex-sideman" do Pink Floyd. Phil lançou o álbum solo Solo in Soho. O Thin Lizzy gravou o álbum Chinatown[10].
Lançaram, em 1981, o álbum Renegade. Darren Wharton, que tocou como convidado no disco anterior, assumiu os teclados como efetivo. Snowy White deixou a banda[10][11].
Em 1982, Phil Lynott lançou mais um álbum solo, The Phil Lynott Album. John Sykes, ex-Tyger of Pan Tang, assumiu uma das guitarras. Gravaram o último álbum de estúdio, Thunder and Lightning. Phil estava perdendo a luta para as drogas[10][11].
Black Label Society
A banda teve início em maio de 1998, quando Zakk Wylde, ex-guitarrista de Ozzy Osbourne, chama Phil Ondich para tocar com ele em um concerto solo na Itália. Nick Catanese, amigo de Zakk Wylde, recomenda Phil para o cargo de baterista.
Zakk e Phil decidiram chamar a banda de "Hell's Kitchen" (bairro de periferia de Nova Iorque) e o seu primeiro álbum de "Sonic Brewery". Entretanto, por não conseguirem uma marca registrada para "Hell's Kitchen", tiveram que trocar o nome da banda para Black Label Society. O nome do primeiro álbum foi mudado para "Sonic Brew".
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Mudanças de formação
O segundo álbum da banda, Stronger Than Death, saiu em 2000, com DeServio sendo substituído por Steve Gibb. Ondich foi substituído por Craig Nunenmacher em julho de 2000, gravando com a banda seu álbum de estréia: Alcohol Fueled Brewtality. Pela frente veio 1919 Eternal, em 2002. Steve Gibb foi temporariamente substituído por Mike Inez do Alice in Chains durante a turnê do Ozzfest 2001, então Robert Trujillo assumiu as linhas de baixo da banda no ano seguinte.
Em 2003, Trujillo entrou para o Metallica, deixando aberta a vaga de baixista no Black Label Society, o que deu espaço para Inez voltar a banda para uma curta turnê de duas semanas, com o álbum The Blessed Hellride. James Lomenzo se juntou a banda em 2004 após o lançamento de Hangover Music Vol. VI, último álbum da banda lançado pela Spitfire Records.
Em 2005, depois de assinarem com a Artemis Records, Mafia foi lançado. Em outubro, Lomenzo deixou a banda e foi substituído pelo baixista original da banda, John DeServio. Em 2006, a banda deixou a Artemis Records e assinou com a Roadrunner Records, lançando o álbum Shot To Hell.
Em 2008 se apresentou pela primeira vez no Brasil junto com Ozzy, dia 3 de abril de 2008 no Rio de Janeiro, dia 5 de abril de 2008 em São Paulo.
Em 2011 foi anunciado que o ex-baterista da banda de Gothic Metal Type O Negative, Johnny Kelly, é o novo baterista da banda, substituindo Will Hunt.
Mais uma vez o Black Label Society troca de baterista em 2011, dessa vez o substitudo de Johnny Kelly é Mike Froedge
Em agosto de 2011 a banda retorna ao Brasil pela segunda vez, mas dessa vez como headliner passando por Curitiba, São Paulo, Porto Alegre e Goiânia.
Em setembro de 2011 o Black Label Society anuncia pela terceira vez no ano a troca de seu baterista, dessa vez quem entra para substituir Mike Froedge é Chad Szeliga (BREAKING BENJAMIN, OURAFTER).
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Integrantes
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Membros atuais
Zakk Wylde – Vocais, Guitarra, Piano (1998-Presente)
Nick Catanese – Guitarra (1998-Presente)
John DeServio – Baixo (1998-1999 - 2005-Presente)
Chad Szeliga – Bateria (2011-Presente)
Metallica
O Grande show dos quatro grandes do trash metal Anthrax, Megadeth, Metallica e Slayer. ........este concerto acima aconteceu no estádio Ullevi na Suécia que foi utilizado para a copa do mundo de 1958.......
Em dezembro de 2009, as quatro bandas realizaram uma turnê juntos em festivais Sonisphere na Polônia, República Checa, Bulgária, Romênia e Turquia. Em 22 de junho de 2010, todas as bandas tocaram no mesmo palco juntas pela primeira vez, na capital búlgara, a música "Am I Evil?"[2], cover de Diamond Head. Esta é também a primeira vez que James Hetfield e Dave Mustaine tocaram juntos desde 1983, quando Mustaine foi expulso do Metallica. Esse show também foi mostrado em cinemas ao redor do mundo e gravado no DVD ao vivo The Big 4 Live from Sofia, Bulgaria.
Red Hot Chili Peppers
Eles eram garotos de Hollywood que descobriram um som diferente. Em retrospecto eles estavam fora do contexto, fora do que havia na época. Eram diferentes. Os Red Hot causaram polêmica desde o início, com suas famosas "Socks on Cocks", mas, por trás da fachada extravagante há uma amizade inabalável. O grupo passou por diversos problemas, que incluem a morte do guitarrista fundador Hillel Slovak por overdose de heroína, e testemunho do quase declínio total de outro guitarrista, John Frusciante. Após a recuperação, com a "nova" formação, o Red Hot Chili Peppers abriu novas trilhas e atingiu seu maior sucesso, se tornando um dos maiores grupos de rock no mundo.
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A formação e o Red Hot Chili Peppers (1983–1984)
O Red Hot Chili Peppers tem seu embrião desde 1979, nos intervalos entre aulas da Fairfax High School, em Hollywood, Los Angeles. Os garotos de 15 anos, Flea, Hillel Slovak e Jack Irons eram três amigos que tinham algumas ambições musicais formando a banda chamada Anthym. Um dos grandes admiradores dessa banda era Anthony Kiedis, também amigo de infância de Flea, Hillel e Irons. No verão de 1981 Flea sai do "Anthym" e vai para o Fear, uma banda punk de Los Angeles. Hillel e Irons permanecem no "Anthym", agora conhecida como What Is This?, com Anthony fazendo parte do conjunto.
Em abril de 1983 nasce o Red Hot Chili Peppers, ainda com o nome de "Tony Flow and the Miraculousy Majestic Masters of Mayhem", a partir de uma idéia súbita de Anthony Kiedis, e com ele Flea, Hillel Slovak, Jack Irons se apresentam em um clube de Los Angeles. A princípio seria só uma brincadeira, mas os integrantes gostaram do resultado e passaram a fazer shows, agora batizando a banda de Red Hot Chili Peppers*, onde tinham apenas duas músicas "Out in LA" e "Get Up and Jump". Misturando punk e funk eles começaram a ser conhecidos por Los Angeles. A explicação para o nome Red Hot Chili Peppers vem de um improviso de Anthony Kiedis que conta: "Eu estava caminhando em Hollywood Hills e vi esse nome piscando num arbusto psicodélico" (o arbusto era em formato de pimenta), mas essa história parece muito mais uma lenda ou piada de Anthony, do que a verdadeira história. O que parece ser mais próximo da realidade é que eles adoravam comida mexicana com bastante pimenta (chili), Flea era fã da banda de apoio de Louis Armstrong "Red Hot Peppers" e Anthony Kiedis não poderia esquecer o nome da banda que tocou num pub em Londres, a "Chili Willy and the Red Hot Peppers".
Guitarrista fundador Hillel Slovak tocando na Filadélfia, Pensilvânia em 1983.
Três meses depois eles recebem uma oferta da Run DMC num mini festival. No mesmo tempo que Hillel e Irons ainda tocavam no What Is This?, enquanto Flea continuava tocando com o Fear. No entanto, algo fazia com que o Red Hot Chili Peppers tivesse algo a mais. Mark Richardson conhecido como "Roaster", um descobridor de talentos, procurou a banda e no verão de 1983, os Peppers já tinham uma programação completa. Eles fizeram shows por toda a cidade e no Kit-Kat Club, onde eles apareceram totalmente nús, apenas vestindo meias sobre o pênis (Socks on Cocks).
E em outubro de 1983, o Red Hot Chili Peppers assina o seu primeiro contrato com uma gravadora. A banda tinha apenas seis meses, quando eles assinaram um contrato com a EMI, o que gerou problema, pois o grupo não pôde contar com Hillel Slovak e Jack Irons, que tinham compromissos com o What Is This?, que fazia parte do elenco da MCA Records. Além do que Hillel e Jack acreditavam mais na sua banda que no RHCP, sabiam que tudo não passava de hobby e preferiam investir no seu antigo sonho de adolescência. Não teve outra, Anthony e Flea ficaram arrasados com a notícia e com a postura dos outros dois. Kiedis e Flea seriam obrigados a gravar no início do próximo ano, para contornar a situação chamaram então, o guitarrista Jack Sherman e o baterista Cliff Martinez. Porém, a química não era a mesma. Para tentar contornar o problema, a EMI sugeriu Andy Gill para ser o produtor do álbum, sendo bastante aceito por Anthony e Flea. Todavia, surgiu um conflito musical entre eles, pois Andy Gill não dava liberdade para a banda criar melodias próprias além de querer fazer com que suas músicas soassem modernas e mecânicas. O primeiro álbum foi chamado de The Red Hot Chili Peppers, e foi uma grande decepção para a banda. O disco saiu em agosto de 1984 e não teve grandes atenções. No verão do mesmo ano, a MTV apresenta o RHCP no MTV News.
O clipe de "True Men Don't Kill Coyotes" faz um sucesso rápido e logo é esquecido, porém os Peppers continuam a estender a lista de shows e começam a tocar na costa oeste e médio oeste dos Estados Unidos. Durante estas viagens o consumo de drogas é intensificado, além disso, o contato pessoal durante todo o dia começou a criar atritos entre Sherman e Kiedis que não o suportava porque acreditava que ele era politicamente correto demais para a banda e não tinha a mesma habilidade de Hillel, então, no começo de 1985, Kiedis e Flea expulsam Sherman da banda, que é substituído por Hillel Slovak. Anthony e Hillel começam a usar heroína com mais freqüência. A maior obsessão de Hillel era encontrar os ruídos de Hendrix.
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A formação e o Red Hot Chili Peppers (1983–1984)
O Red Hot Chili Peppers tem seu embrião desde 1979, nos intervalos entre aulas da Fairfax High School, em Hollywood, Los Angeles. Os garotos de 15 anos, Flea, Hillel Slovak e Jack Irons eram três amigos que tinham algumas ambições musicais formando a banda chamada Anthym. Um dos grandes admiradores dessa banda era Anthony Kiedis, também amigo de infância de Flea, Hillel e Irons. No verão de 1981 Flea sai do "Anthym" e vai para o Fear, uma banda punk de Los Angeles. Hillel e Irons permanecem no "Anthym", agora conhecida como What Is This?, com Anthony fazendo parte do conjunto.
Em abril de 1983 nasce o Red Hot Chili Peppers, ainda com o nome de "Tony Flow and the Miraculousy Majestic Masters of Mayhem", a partir de uma idéia súbita de Anthony Kiedis, e com ele Flea, Hillel Slovak, Jack Irons se apresentam em um clube de Los Angeles. A princípio seria só uma brincadeira, mas os integrantes gostaram do resultado e passaram a fazer shows, agora batizando a banda de Red Hot Chili Peppers*, onde tinham apenas duas músicas "Out in LA" e "Get Up and Jump". Misturando punk e funk eles começaram a ser conhecidos por Los Angeles. A explicação para o nome Red Hot Chili Peppers vem de um improviso de Anthony Kiedis que conta: "Eu estava caminhando em Hollywood Hills e vi esse nome piscando num arbusto psicodélico" (o arbusto era em formato de pimenta), mas essa história parece muito mais uma lenda ou piada de Anthony, do que a verdadeira história. O que parece ser mais próximo da realidade é que eles adoravam comida mexicana com bastante pimenta (chili), Flea era fã da banda de apoio de Louis Armstrong "Red Hot Peppers" e Anthony Kiedis não poderia esquecer o nome da banda que tocou num pub em Londres, a "Chili Willy and the Red Hot Peppers".
Guitarrista fundador Hillel Slovak tocando na Filadélfia, Pensilvânia em 1983.
Três meses depois eles recebem uma oferta da Run DMC num mini festival. No mesmo tempo que Hillel e Irons ainda tocavam no What Is This?, enquanto Flea continuava tocando com o Fear. No entanto, algo fazia com que o Red Hot Chili Peppers tivesse algo a mais. Mark Richardson conhecido como "Roaster", um descobridor de talentos, procurou a banda e no verão de 1983, os Peppers já tinham uma programação completa. Eles fizeram shows por toda a cidade e no Kit-Kat Club, onde eles apareceram totalmente nús, apenas vestindo meias sobre o pênis (Socks on Cocks).
E em outubro de 1983, o Red Hot Chili Peppers assina o seu primeiro contrato com uma gravadora. A banda tinha apenas seis meses, quando eles assinaram um contrato com a EMI, o que gerou problema, pois o grupo não pôde contar com Hillel Slovak e Jack Irons, que tinham compromissos com o What Is This?, que fazia parte do elenco da MCA Records. Além do que Hillel e Jack acreditavam mais na sua banda que no RHCP, sabiam que tudo não passava de hobby e preferiam investir no seu antigo sonho de adolescência. Não teve outra, Anthony e Flea ficaram arrasados com a notícia e com a postura dos outros dois. Kiedis e Flea seriam obrigados a gravar no início do próximo ano, para contornar a situação chamaram então, o guitarrista Jack Sherman e o baterista Cliff Martinez. Porém, a química não era a mesma. Para tentar contornar o problema, a EMI sugeriu Andy Gill para ser o produtor do álbum, sendo bastante aceito por Anthony e Flea. Todavia, surgiu um conflito musical entre eles, pois Andy Gill não dava liberdade para a banda criar melodias próprias além de querer fazer com que suas músicas soassem modernas e mecânicas. O primeiro álbum foi chamado de The Red Hot Chili Peppers, e foi uma grande decepção para a banda. O disco saiu em agosto de 1984 e não teve grandes atenções. No verão do mesmo ano, a MTV apresenta o RHCP no MTV News.
O clipe de "True Men Don't Kill Coyotes" faz um sucesso rápido e logo é esquecido, porém os Peppers continuam a estender a lista de shows e começam a tocar na costa oeste e médio oeste dos Estados Unidos. Durante estas viagens o consumo de drogas é intensificado, além disso, o contato pessoal durante todo o dia começou a criar atritos entre Sherman e Kiedis que não o suportava porque acreditava que ele era politicamente correto demais para a banda e não tinha a mesma habilidade de Hillel, então, no começo de 1985, Kiedis e Flea expulsam Sherman da banda, que é substituído por Hillel Slovak. Anthony e Hillel começam a usar heroína com mais freqüência. A maior obsessão de Hillel era encontrar os ruídos de Hendrix.
terça-feira, 27 de março de 2012
domingo, 25 de março de 2012
Legião Urbana
Legião Urbana
A banda foi formada em agosto de 1982 poucos meses após uma discussão de Renato Russo com sua antiga banda, Aborto Elétrico, devido a uma briga com o integrante Fê Lemos (bateria) na música "Veraneio Vascaína" (na ocasião, Renato havia errado a letra e levou uma baquetada em pleno show). Com o fim da banda, Fê Lemos e seu irmão, Flavio Lemos (contrabaixo), reúnem-se com Dinho Ouro Preto e formam o Capital Inicial. Para compor, Renato Russo se inspirava em bandas como Sex Pistols , The Beatles, Ramones, The Smiths, The Cure, Talking Heads e Joy Division e no filósofo Jean-Jacques Rousseau (daí a inspiração para o nome artístico).
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O começo
A primeira apresentação da Legião Urbana aconteceu em 5 de setembro de 1982 na cidade mineira de Patos de Minas, durante o festival Rock no Parque, que contou com outras oito atrações, entre elas a Plebe Rude.
Esse foi o único concerto em que a banda apareceu com a sua primeira formação: Renato Russo (vocalista e baixista), Marcelo Bonfá (baterista), Paulo Paulista (tecladista) e Eduardo Paraná (guitarrista), hoje conhecido como Kadu Lambach.[4] Após a apresentação, Paulo Paulista e Eduardo Paraná deixaram a Legião. O próximo guitarrista seria Ico Ouro-Preto (irmão de Dinho Ouro-Preto, vocalista do Capital Inicial), mas foi logo substituído por Dado Villa-Lobos, que assumiu a guitarra da Legião em março de 1983.[5]
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O sucesso
Em 23 de julho de 1983, a Legião faz no Circo Voador, Rio de Janeiro, um concerto que mudaria a história da banda. Após a apresentação, eles são convidados a gravar uma fita demo com a EMI. No ano seguinte, por indicação de Marcelo Bonfá, entra o baixista Renato Rocha e começa então a gravação do primeiro disco.
O primeiro álbum Legião Urbana, lançado em 2 de janeiro de 1985, é extremamente politizado, com letras que fazem críticas contundentes a diversos aspectos da sociedade brasileira. Paralelo a isso, possui canções de amor que foram marcantes na história da música brasileira, como "Será", "Ainda é cedo" e "Por Enquanto", esta última que é considerada como a melhor faixa de encerramento de um disco, segundo Arthur Dapieve, crítico e amigo de Renato Russo. "Geração Coca-Cola" é outra música famosa deste álbum.
O segundo álbum, Dois, foi lançado em 1986. O disco deveria ser duplo e se chamar Mitologia e Intuição, mas o projeto foi recusado pela gravadora, fazendo com que o disco saísse simples. A primeira música, "Daniel na Cova dos Leões" é iniciada com um pouco da canção "Será" envolto a ruídos de rádio e do hino da Internacional Socialista. É o segundo álbum mais vendido da banda, com mais de 1,2 milhão de cópias, e considerado por muitos o mais romântico. "Tempo Perdido" fez um grande sucesso e se tornou um dos clássicos da Legião. "Eduardo e Mônica", "Índios" e "Quase Sem Querer" também fizeram muito sucesso.
Que País É Este 1978/1987 pode ser considerada a primeira coletânea feita pela banda de Brasília, embora todas as faixas tivessem sido regravadas e produzidas para este álbum em estúdio. A maioria destas músicas foram propositalmente gravadas em primeiro take (baixo, guitarra e bateria de uma só vez). Este material foi programado para entrar no antigo projeto Mitologia e Intuição, que foi abortado pela gravadora. Das nove canções do disco, apenas "Eu sei" (da carreira solo de Renato Russo), "Angra dos Reis" e "Mais do Mesmo" não eram do antigo Aborto Elétrico. Esta é a obra mais punk da Legião Urbana e contém em seu encarte uma breve história do grupo. Foi o último trabalho oficial com a participação do então baixista Renato Rocha. Seu título provisório era Mais do Mesmo. As maiores músicas deste álbum foram "Que País É Este", "Faroeste Caboclo" e "Angra dos Reis".
O álbum As Quatro Estações de 1989 é considerado por muitos o melhor e mais inspirado trabalho do grupo, inclusive pelo próprio Renato Russo, além de conter o maior número de hits: são onze canções, das quais pelo menos nove foram tocadas incessantemente nas rádios. É o álbum mais vendido da Legião, com mais de 1,7 milhão de cópias[carece de fontes], é também considerado o disco mais "religioso". O baixista Renato Rocha tocou com o trio nos três primeiros álbuns e chegou a gravar o baixo de algumas faixas desse álbum, mas deixou o grupo devido a desentendimentos com os outros membros. As linhas de baixo originalmente gravadas por Rocha foram regravadas por Dado e Renato, que se revezaram nos baixos e guitarras. Músicas legendárias como "Pais e Filhos" e "Monte Castelo" fizeram parte deste álbum.
Lançado em Novembro de 1991, V é o disco mais melancólico. Renato estava em um momento complicado de sua vida, com a descoberta de que era soropositivo um ano e meio antes, problemas no relacionamento com o namorado americano, Robert Scott Hickman, e alcoolismo. O álbum é recheado de canções atípicas para os "padrões" da banda. A atmosfera de "Metal Contra as Nuvens", com seus mais de onze minutos de duração, é um dos destaques, assim como a densa "A Montanha Mágica". A crítica social de "O Teatro dos Vampiros" e a melancólica "Vento no Litoral" foram as mais tocadas neste CD.
O álbum O Descobrimento do Brasil de 1993, época em que Renato Russo tinha iniciado o tratamento para livrar-se da dependência química e mostrava-se otimista quanto ao seu sucesso. Ainda assim, as letras oscilam entre tristeza e alegria, encontros e despedidas. É como se, para seguir em frente, fosse necessário deixar muitas coisas para trás, e não se pudesse fazer isso sem uma boa dose de nostalgia. Desta forma, Descobrimento é um álbum com fortes notas de esperança, mas permeado por tristeza e saudosismo. Ainda assim, é considerado por muitos o álbum mais "alegre" e delicado da Legião Urbana. Apesar de boas vendas, o CD não foi muito tocado nas rádios. As faixas de sucesso foram "Giz", "Vinte e Nove" e "Perfeição", música essa que foi na época uma pesada crítica ao Brasil.
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O começo
A primeira apresentação da Legião Urbana aconteceu em 5 de setembro de 1982 na cidade mineira de Patos de Minas, durante o festival Rock no Parque, que contou com outras oito atrações, entre elas a Plebe Rude.
Esse foi o único concerto em que a banda apareceu com a sua primeira formação: Renato Russo (vocalista e baixista), Marcelo Bonfá (baterista), Paulo Paulista (tecladista) e Eduardo Paraná (guitarrista), hoje conhecido como Kadu Lambach.[4] Após a apresentação, Paulo Paulista e Eduardo Paraná deixaram a Legião. O próximo guitarrista seria Ico Ouro-Preto (irmão de Dinho Ouro-Preto, vocalista do Capital Inicial), mas foi logo substituído por Dado Villa-Lobos, que assumiu a guitarra da Legião em março de 1983.[5]
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O sucesso
Em 23 de julho de 1983, a Legião faz no Circo Voador, Rio de Janeiro, um concerto que mudaria a história da banda. Após a apresentação, eles são convidados a gravar uma fita demo com a EMI. No ano seguinte, por indicação de Marcelo Bonfá, entra o baixista Renato Rocha e começa então a gravação do primeiro disco.
O primeiro álbum Legião Urbana, lançado em 2 de janeiro de 1985, é extremamente politizado, com letras que fazem críticas contundentes a diversos aspectos da sociedade brasileira. Paralelo a isso, possui canções de amor que foram marcantes na história da música brasileira, como "Será", "Ainda é cedo" e "Por Enquanto", esta última que é considerada como a melhor faixa de encerramento de um disco, segundo Arthur Dapieve, crítico e amigo de Renato Russo. "Geração Coca-Cola" é outra música famosa deste álbum.
O segundo álbum, Dois, foi lançado em 1986. O disco deveria ser duplo e se chamar Mitologia e Intuição, mas o projeto foi recusado pela gravadora, fazendo com que o disco saísse simples. A primeira música, "Daniel na Cova dos Leões" é iniciada com um pouco da canção "Será" envolto a ruídos de rádio e do hino da Internacional Socialista. É o segundo álbum mais vendido da banda, com mais de 1,2 milhão de cópias, e considerado por muitos o mais romântico. "Tempo Perdido" fez um grande sucesso e se tornou um dos clássicos da Legião. "Eduardo e Mônica", "Índios" e "Quase Sem Querer" também fizeram muito sucesso.
Que País É Este 1978/1987 pode ser considerada a primeira coletânea feita pela banda de Brasília, embora todas as faixas tivessem sido regravadas e produzidas para este álbum em estúdio. A maioria destas músicas foram propositalmente gravadas em primeiro take (baixo, guitarra e bateria de uma só vez). Este material foi programado para entrar no antigo projeto Mitologia e Intuição, que foi abortado pela gravadora. Das nove canções do disco, apenas "Eu sei" (da carreira solo de Renato Russo), "Angra dos Reis" e "Mais do Mesmo" não eram do antigo Aborto Elétrico. Esta é a obra mais punk da Legião Urbana e contém em seu encarte uma breve história do grupo. Foi o último trabalho oficial com a participação do então baixista Renato Rocha. Seu título provisório era Mais do Mesmo. As maiores músicas deste álbum foram "Que País É Este", "Faroeste Caboclo" e "Angra dos Reis".
O álbum As Quatro Estações de 1989 é considerado por muitos o melhor e mais inspirado trabalho do grupo, inclusive pelo próprio Renato Russo, além de conter o maior número de hits: são onze canções, das quais pelo menos nove foram tocadas incessantemente nas rádios. É o álbum mais vendido da Legião, com mais de 1,7 milhão de cópias[carece de fontes], é também considerado o disco mais "religioso". O baixista Renato Rocha tocou com o trio nos três primeiros álbuns e chegou a gravar o baixo de algumas faixas desse álbum, mas deixou o grupo devido a desentendimentos com os outros membros. As linhas de baixo originalmente gravadas por Rocha foram regravadas por Dado e Renato, que se revezaram nos baixos e guitarras. Músicas legendárias como "Pais e Filhos" e "Monte Castelo" fizeram parte deste álbum.
Lançado em Novembro de 1991, V é o disco mais melancólico. Renato estava em um momento complicado de sua vida, com a descoberta de que era soropositivo um ano e meio antes, problemas no relacionamento com o namorado americano, Robert Scott Hickman, e alcoolismo. O álbum é recheado de canções atípicas para os "padrões" da banda. A atmosfera de "Metal Contra as Nuvens", com seus mais de onze minutos de duração, é um dos destaques, assim como a densa "A Montanha Mágica". A crítica social de "O Teatro dos Vampiros" e a melancólica "Vento no Litoral" foram as mais tocadas neste CD.
O álbum O Descobrimento do Brasil de 1993, época em que Renato Russo tinha iniciado o tratamento para livrar-se da dependência química e mostrava-se otimista quanto ao seu sucesso. Ainda assim, as letras oscilam entre tristeza e alegria, encontros e despedidas. É como se, para seguir em frente, fosse necessário deixar muitas coisas para trás, e não se pudesse fazer isso sem uma boa dose de nostalgia. Desta forma, Descobrimento é um álbum com fortes notas de esperança, mas permeado por tristeza e saudosismo. Ainda assim, é considerado por muitos o álbum mais "alegre" e delicado da Legião Urbana. Apesar de boas vendas, o CD não foi muito tocado nas rádios. As faixas de sucesso foram "Giz", "Vinte e Nove" e "Perfeição", música essa que foi na época uma pesada crítica ao Brasil.
Engenheiros do Hawaii
Quatro estudantes da Faculdade de Arquitetura da UFRGS - Humberto Gessinger (vocal e guitarra), Carlos Stein (guitarra), Marcelo Pitz (baixo) e Carlos Maltz (bateria) - resolveram formar uma banda apenas para uma apresentação em um festival da faculdade, que aconteceria por protesto à paralisação de aulas. O primeiro show da banda foi em 11 de janeiro de 1985.[2] Escolheram o nome Engenheiros do Hawaii para satirizar os estudantes de engenharia que andavam com bermudas de surfista, com quem tinham uma certa rixa.
Começaram a surgir propostas para novos shows e, após, algumas apresentações em palcos alternativos de Porto Alegre juntamente com uma série de shows pelo interior do Rio Grande do Sul. A banda, em menos de quatro meses de carreira já consegue gravar duas músicas na coletânea Rock Grande do Sul (1985) com diversas bandas gaúchas, em razão de uma das bandas vencedoras do concurso adicionador à coletânea ter desistido da participação do álbum na última hora.
Quando a banda seguiu com seus ensaios, durante a greve da faculdade, Carlos Stein realizou uma viagem, o que acabou inviabilizando sua permanência no grupo, e, tempos depois, ele passa a integrar a banda Nenhum de Nós. Meses passaram, e os Engenheiros do Hawaii gravam o seu primeiro álbum: Longe Demais das Capitais, em 1986. O norte musical do disco apontava para um som voltado à música pop, muito próximo ao ska de bandas como o The Police e Os Paralamas do Sucesso. Destacam-se as canções "Toda Forma de Poder", que foi tema da novela Hipertensão da Rede Globo e "Segurança", além de "Sopa de Letrinhas" e "Longe Demais das Capitais".
Antes de começarem as gravações do segundo disco, Marcelo Pitz deixa a banda por motivos pessoais. Com Gessinger assumindo o baixo, entra o guitarrista Augusto Licks, que havia trabalhado com Nei Lisboa, conhecido músico gaúcho.
Os Engenheiros lançam o disco A Revolta dos Dândis, em 1987. A banda muda o direcionamento temático, iniciando uma trilogia baseada no rock progressivo, com discos com repetições de temas gráficos e musicais e letras em que ocorre a auto-citação. Os arranjos musicais são influenciados pelo rock dos anos 60, as letras são críticas, com ocorrência de várias antíteses e paradoxos e aparecem citações literárias de filósofos, como Camus e Sartre. Destaque para os hits "Infinita Highway", "Terra de Gigantes", "Refrão de Bolero" e a faixa título, dividida em duas partes. Começam os shows para grandes plateias nos centros urbanos do país, como o festival Alternativa Nativa, realizado entre 14 e 17 de junho de 1987. A partir desta data, os Engenheiros encheriam ginásios e estádios pelo Brasil afora. Porém, houve polêmicas e a banda chegou mesmo a ser acusada de elitista e fascista pelo conteúdo de suas letras. As polêmicas se intensificaram quando membros da banda se apresentaram com camisetas estampadas com a Estrela de Davi e a Suástica.
O disco seguinte, Ouça o que Eu Digo: Não Ouça Ninguém, de 1988, pode ser visto como uma continuidade do anterior, tanto pelo trabalho da capa do álbum como pelo tema e estilo de suas canções. Destaque para as músicas "Somos Quem Podemos Ser", "Cidade em Chamas", "Tribos & Tribunais", a faixa-título e "Variações Sobre o Mesmo Tema", esta última uma homenagem à banda Pink Floyd, com sua estética progressiva e dividida em três partes. O álbum também marca a saída dos Engenheiros da cidade de Porto Alegre, indo morar no Rio de Janeiro.
Consolidada a nova formação, os Engenheiros lançam Alívio Imediato, de 1989, quarto disco da banda e o primeiro registro ao vivo. Suas canções mostram uma retrospectiva de suas principais canções e as novas perspectivas a serem incorporadas, em especial o som mais eletrônico, presente na faixa título e na música "Nau à Deriva", ambas gravadas em estúdio e as demais gravadas ao vivo no Canecão, no Rio de Janeiro.
Começaram a surgir propostas para novos shows e, após, algumas apresentações em palcos alternativos de Porto Alegre juntamente com uma série de shows pelo interior do Rio Grande do Sul. A banda, em menos de quatro meses de carreira já consegue gravar duas músicas na coletânea Rock Grande do Sul (1985) com diversas bandas gaúchas, em razão de uma das bandas vencedoras do concurso adicionador à coletânea ter desistido da participação do álbum na última hora.
Quando a banda seguiu com seus ensaios, durante a greve da faculdade, Carlos Stein realizou uma viagem, o que acabou inviabilizando sua permanência no grupo, e, tempos depois, ele passa a integrar a banda Nenhum de Nós. Meses passaram, e os Engenheiros do Hawaii gravam o seu primeiro álbum: Longe Demais das Capitais, em 1986. O norte musical do disco apontava para um som voltado à música pop, muito próximo ao ska de bandas como o The Police e Os Paralamas do Sucesso. Destacam-se as canções "Toda Forma de Poder", que foi tema da novela Hipertensão da Rede Globo e "Segurança", além de "Sopa de Letrinhas" e "Longe Demais das Capitais".
Antes de começarem as gravações do segundo disco, Marcelo Pitz deixa a banda por motivos pessoais. Com Gessinger assumindo o baixo, entra o guitarrista Augusto Licks, que havia trabalhado com Nei Lisboa, conhecido músico gaúcho.
Os Engenheiros lançam o disco A Revolta dos Dândis, em 1987. A banda muda o direcionamento temático, iniciando uma trilogia baseada no rock progressivo, com discos com repetições de temas gráficos e musicais e letras em que ocorre a auto-citação. Os arranjos musicais são influenciados pelo rock dos anos 60, as letras são críticas, com ocorrência de várias antíteses e paradoxos e aparecem citações literárias de filósofos, como Camus e Sartre. Destaque para os hits "Infinita Highway", "Terra de Gigantes", "Refrão de Bolero" e a faixa título, dividida em duas partes. Começam os shows para grandes plateias nos centros urbanos do país, como o festival Alternativa Nativa, realizado entre 14 e 17 de junho de 1987. A partir desta data, os Engenheiros encheriam ginásios e estádios pelo Brasil afora. Porém, houve polêmicas e a banda chegou mesmo a ser acusada de elitista e fascista pelo conteúdo de suas letras. As polêmicas se intensificaram quando membros da banda se apresentaram com camisetas estampadas com a Estrela de Davi e a Suástica.
O disco seguinte, Ouça o que Eu Digo: Não Ouça Ninguém, de 1988, pode ser visto como uma continuidade do anterior, tanto pelo trabalho da capa do álbum como pelo tema e estilo de suas canções. Destaque para as músicas "Somos Quem Podemos Ser", "Cidade em Chamas", "Tribos & Tribunais", a faixa-título e "Variações Sobre o Mesmo Tema", esta última uma homenagem à banda Pink Floyd, com sua estética progressiva e dividida em três partes. O álbum também marca a saída dos Engenheiros da cidade de Porto Alegre, indo morar no Rio de Janeiro.
Consolidada a nova formação, os Engenheiros lançam Alívio Imediato, de 1989, quarto disco da banda e o primeiro registro ao vivo. Suas canções mostram uma retrospectiva de suas principais canções e as novas perspectivas a serem incorporadas, em especial o som mais eletrônico, presente na faixa título e na música "Nau à Deriva", ambas gravadas em estúdio e as demais gravadas ao vivo no Canecão, no Rio de Janeiro.
sexta-feira, 23 de março de 2012
Queen
1968-1971
Brian May e Tim Staffell, amigos de escola, decidem formar uma banda e colocam um anúncio no Imperial College à procura de um baterista ao estilo Ginger Baker (baterista da banda inglesa Cream). Roger Taylor responde ao anúncio e junto com Tim (vocais, baixo) e Brian (guitarra, vocais), formam o grupo Smile, que chegou a abrir shows para o então jovem guitarrista inglês Jimi Hendrix. Freddie era colega de quarto de Tim, e seguia assiduamente aos concertos do grupo. A essa altura, Freddie era vocalista de outras bandas, como os Wreckage e mais tarde o Ibex. Para além disso, não tinha qualquer problema em partilhar as suas idéias acerca da direcção musical que os Smile deveriam tomar.
Em 1970, Tim decidiu então pôr fim à sua carreira nos Smile, e juntou-se a uma banda chamada Humpty Bong. Freddie substituiu-o, e mudou o nome da banda para Queen, que não agradava de começo os outros integrantes. Então o grupo começa a procurar por um baixista profissional. O primeiro seria Mike Grose, que ficou no Smile de abril à agosto de 1970. Só no ano seguinte, em 1971, que o grupo encontrou seu baixista definitivo, um jovem de Leicester formado em electrônica, chamado John Deacon.
Com a formação definida, o quarteto estava definitivamente em marcha, possuidores de uma imagem inovadora, desfazendo regras musicais anteriores, compondo temas de absoluta originalidade, com nada, ou bem pouco a ver com o resto do rock daqueles tempos.
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Anos 1970
O primeiro álbum da banda, intitulado Queen, foi lançado como uma revolução no Reino Unido, mas não teve o sucesso esperado. Este álbum caracterizou-se por um som pesado, misturando a banda à onda heavy metal que já existia na Inglaterra do início da década de 1970. Deste álbum, destaca-se a faixa "Keep Yourself Alive", canção que conseguiu alcançar o Top 40 do Reino Unido.
O segundo álbum, Queen II, já apresentava um som mais melódico, mostrando já a influência que Freddie viria a ter nas composições da banda. Aqui destaca-se a composição "Seven Seas of Rhye", primeira canção da banda a alcançar o Top 10 do Reino Unido.
A partir do terceiro álbum, Sheer Heart Attack, a banda viria a ter os seus álbuns distribuídos pela Trident e EMI, ocasionando assim uma reviravolta na trajetória da banda. Lançado em 1974, o álbum foi o primeiro da banda a estar entre os 10 mais vendidos da Inglaterra, e tornou o Queen conhecido dos dois lados do Atlântico. A turnê nos EUA foi um sucesso, o que abriu caminho para que a banda pudesse concretizar a sua obra-prima.
Em 1975, o Queen lançou o disco A Night at the Opera, também conhecido entre os fãs como o "White Album" da banda, numa alusão ao disco de mesma importância dos Beatles. Este disco, primeiro da banda a conseguir disco de platina, primeiro a vender mais de um milhão de cópias, primeiro a atingir o topo das paradas do Reino Unido e EUA, definiu um novo tipo de Rock: o rock arte, realizado como uma grande produção, para ser apreciado por todos os ouvidos. Usando uma técnica de retorno da voz, esse disco criou o som que se tornou marca registrada do Queen e o lançou para a fama. Suas canções refletem o espírito da banda: rock pesado com "I'm In Love With My Car"; baladas românticas com "Love Of My Life" (que foi apresentada por Mercury no álbum "Live Killers", de 1979, da seguinte forma: "The things that we have to do for money." "As coisas que a gente tem que fazer por dinheiro.", e foi cantada por toda a multidão que presenciou a esse show maravilhoso) e "You're My Best Friend"; experimentalismo com "The Prophet's Song", e uma canção impossível de se classificar, como "Bohemian Rhapsody". Esta Opera Rock, quando lançada em 1975, recebeu críticas por não ter apelo comercial e ser muito longa. No entanto, a gravadora bancou a aposta, e o resultado foi estrondoso: primeiro lugar das paradas durante nove semanas consecutivas, os quatro álbuns do Queen entre os vinte mais vendidos, um video-clip que ficou conhecido mundialmente pela sua produção e a sua qualidade, iniciando a era do Video-clip e considerada por muitos o maior clássico da história do Rock n' Roll. Após esse álbum, a banda consolidou-se efetivamente como uma das grandes bandas de Rock, firmando terreno para mais e mais sucessos. Aqui, os seus membros (principalmente Mercury) já apresentavam suas excentricidades que ficariam mundialmente conhecidas. Curiosamente, quando o álbum foi lançado em K7, a complexidade da canção Bohemian Rhapsody era tanta que neste ponto a fita ficava transparente; além disso, esta canção sempre que era tocada ao vivo em um dos concertos do Queen era como parte de um medley ou era colocada uma gravação nas partes mais complexas.
Em 1976, o álbum seguinte, "A Day at the Races" (ambos uma ironia, por se tratarem de títulos de filmes dos Irmãos Marx), foi mais dirigido pela guitarra de Brian May e pela bateria de Roger Taylor, tendo, portanto, canções mais pesadas, tais como "Tie Your Mother Down" e "White Man". No entanto, aqui encontramos outra obra-prima vocalística de Freddie Mercury: "Somebody to Love", uma canção recheada de exageros vocais e complexas passagens vocais, que tornou-se êxito imediato e que foi executada excepcionalmente em 1982, no show "Queen On Fire", mais conhecido como Live at The Bowl.
A banda em concerto em Hannover, 1979
Em 1977, "News of The World" trouxe os grandes hits dos estádios da banda, "We Will Rock You" e "We Are The Champions", além da belíssima "Spread Your Wings", composta pelo baixista John Deacon. O Queen serviu-se muito dos grandes estádios, fazendo shows marcantes (sobretudo se considerarmos que o som era feito exclusivamente pelos quatro integrantes, salvo ajudas de Spike Edney nos últimos shows), que criavam uma relação única com o público, sendo reconhecidos até mesmo pela crítica (alguns consideram os shows feitos pelo Queen em Wembley em 1986 como os melhores shows de rock de todos os tempos, sem falar no estrondoso público de 250 mil pessoas na primeira edição do Rock in Rio).
"Jazz", o álbum seguinte, de 1978, foi mal-recebido pela crítica, sob a alegação que o álbum pouco tem a ver com Jazz, apesar do instrumental acústico refinadíssimo e a alma nervosa e suave das canções - o que parece ser o motivo do nome, não suas semelhanças formais imediatas com o jazz (como acontecia por exemplo com os álbuns de Led Zeppelin, em que se pode dizer que este tom é muito mais evidente). "Jazz" também decepcionou a banda com relação à aceitação do público. Apesar disso, obteve alguns sucessos, como "Fat Bottomed Girls" e "Bicycle Race" (esta última, no Estádio de Wimbledon, teve como produção uma volta completa no estádio de dezenas de mulheres nuas em bicicletas, o que causou um certo choque na opinião pública).
Em 1979 lançam "Live Killers", um álbum duplo gravado ao vivo na sua turné mundial entre Janeiro e Abril. Brian May aparece espetacularmente em "Brighton Rock" chegando a ser mencionado por Eric Clapton como um dos melhores guitarristas no cenário do rock mundial.
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Anos 1980
A banda posando com Diego Maradona na Argentina, durante a turnê pela América do Sul.
O ano de 1980 marcou uma mudança no som da banda, até então sempre ressaltada nas capas dos seus discos com a frase "No Syntethizers!". Após o lançamento do álbum ao vivo "Live Killers", em 1979, os Queen lançaram o álbum "The Game", combinação entre o glam rock dos anos 1970 e a plasticidade da década seguinte, o qual demonstrava a intenção da banda em inserir na sua música a eletrônica. Este álbum foi um sucesso principalmente nos EUA, onde a canção "Another One Bites The Dust", com sua belíssima linha de baixo (inspirada na canção "Good Times" da banda Chic),[3] alcançou o topo das paradas de rock, soul e disco. Além dessa canção, o rockabilly "Crazy Little Thing Called Love"[4] tornou-se outro sucesso da banda.
Então, a banda lançou a trilha sonora do filme "Flash Gordon", em 1980. Este disco, pela primeira vez, representou um grande fiasco da banda, não agradando tanto a crítica quanto os fãs.
Com sua popularidade reduzida na Europa, fortemente impactada pela onda Punk que surgia no Reino Unido, o Queen passou a buscar novos mercados para seu som, iniciando visitas a países fora do eixo EUA-Europa-Japão. Pela primeira vez uma grande banda realizava turnês na América do Sul e África. Na sua primeira passagem pelo Brasil, em 1981, nos doze meses que antecederam o show as rádios de São Paulo só tocavam as canções do Queen.
O disco "Hot Space", lançado em 1982, trazia um som muito diferente, substituindo o heavy metal e o hard rock, por um estilo mais disco/funk, e música eletrônica; foi recebido com alguma desconfiança pelos fãs, que já não viam ali a mesma criativa e inovadora banda. No entanto, a sua turnê foi um grande sucesso, mostrando que mesmo com um álbum pouco conceituado as suas exibições continuavam a atrair mais público. Neste álbum, temos a primeira participação do Queen com outro cantor, David Bowie, na faixa "Under Pressure".
Essa época antecipava a carreira solo de Freddie divorciada do rock, virando-se para a pop e eletrônica. Já eram conhecidas as brigas e discussões dos integrantes da banda, com constantes idas e vindas, ameaças de saída, entre outros problemas, no entanto a banda sempre se manteria junta. Essa década foi marcada pelos trabalhos solo dos integrantes do grupo, marcando assim uma maior distância entre os álbuns. Ficou conhecida na imprensa inglesa a briga que os integrantes promoveram entre as gravações do disco "The Works".
Após lançar "The Works", em 1984, o Queen teve no ano seguinte a sua redenção. Convidados para participar do Rock in Rio, verdadeira cidade do Rock construída no Rio de Janeiro, a banda roubou a cena dos espetáculos, tanto pelas excentricidades de seus integrantes quanto pela beleza de suas apresentações ao vivo, realizados para mais de 250 mil pessoas com a tranquilidade de um espetáculo caseiro.
Em 13 de Julho de 1985, o Queen mostrou a todo o mundo sua condição de Estrela do Rock, ao atrair todas as atenções para o show beneficente Live Aid, em prol das vítimas da fome na África. Essa apresentação do Queen no Live Aid é para muitos críticos o maior show de rock de todos os tempos.
A banda em concerto em Frankfurt, 1984
Em 1986 a banda lança o disco "A Kind of Magic", contendo a trilha sonora do filme "Highlander". Este disco trouxe o Queen de volta às paradas de sucesso, com canções bem mais produzidas como "Who Wants To Live Forever", "Friends Will be Friends", "A Kind of Magic" e "One Vision".
No mesmo ano a banda inicia a Magic Tour, a turnê que gerou mais lucros para o Queen, com estádios lotados, e vários registros em vídeo e audio. A turnê foi feita apenas em países europeus.
Em 9 de Agosto de 1986 o Queen se apresentou pela última vez em público. Eles não conseguiram o Wembley novamente pois o estádio já estava reservado, então Roy Thomas Baker (empresário do Queen e ex-produtor da banda) consegue agendar um show no Knebworth Park, que teve todos os ingressos vendidos em duas horas; mais de 140 mil fãs se espremeram no parque para vislumbrar o Queen ao vivo pela última vez. Especula-se que o grupo já sabia de antemão que tratava-se de uma despedida dos palcos.
Em 1987 o Queen sai de férias e Freddie Mercury lança seu segundo álbum solo "The Great Pretender". Mais tarde Freddie descobre um caroço em seu ombro, e vai consultar seu médico, que ao fazer a biopsia do caroço descobre que Freddie Mercury é soropositivo. Freddie Mercury então conta a Jim Hutton, na época seu companheiro, e mais tarde a Roger Taylor. No entanto, esta ideia é controversa, pois várias pessoas confirmam diversas possibilidades de como Mercury descobriu que tinha AIDS, tal como quem foi o primeiro amigo a saber. Em documentário de sua vida, há histórias de que Freddie já teria contraído a doença antes do Rock in Rio e, inclusive, tinha feito o show com a notícia fatal em conhecimento, mas que parece ser pouco plausível já que mesmo seus assistentes mais próximos não confirmam esta versão. Há quem acredite que o primeiro a perceber a doença depois do cantor e o médico foi John Deacon, que, durante uma das festas de aniversário de Freddie Mercury, havia notado algumas manchas em suas costas, quando o cantor encontrava-se dentro da piscina. Interrogado pelo baixista, Freddie resolveu admitir que era soropositivo e, logo após, teria contado aos demais integrantes da banda.
Em 1988 Freddie Mercury faz seu terceiro álbum solo com a participação da soprana Montserrat Caballé (a cantora preferida de Freddie Mercury). A música título do álbum mais tarde virou o hino das Olimpíadas de Barcelona '92. No mesmo ano, Roger Taylor monta uma banda paralela chamada "The Cross" e Brian May segue carreira solo em trabalhos paralelos.
Em 1989 o Queen retorna à ativa e lança o disco "The Miracle", o primeiro a ser lançado em LP e CD simultaneamente, que ficou conhecido pela complexidade de sua capa, então um desafio para os níveis de computação gráfica da época. O disco trazia grandes sucessos como: "The Miracle", "I Want It All", "Scandal", "Breakthru" e "Invisible Man". O álbum obteve um grande sucesso, e mais do que nunca esse álbum foi o símbolo de que o Queen estava mais unido do que nunca. No final de 1989 o grupo foi eleito a melhor e mais influente banda de Rock dos anos 80.
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Anos 1990
Em 1991, começaram a surgir rumores mais fortes de que o cantor Freddie Mercury estava com AIDS. O próprio cantor negou, e decidiu gravar um álbum livre de conflitos e diferenças. Este álbum foi Innuendo, lançado em fevereiro de 1991. Embora sua saúde começasse a se deteriorar, Mercury esforçou-se para finalizar suas contribuições. O álbum fez grande sucesso, por lembrar um pouco os Queen dos anos 70. Destacam-se as canções "The Show Must Go On", "These Are The Days Of Our Lives", "Innuendo" e "I'm Going Slightly Mad". Duas semanas após o lançamento do álbum, os integrantes da banda já estavam gravando novas músicas. Freddie queria deixar o máximo de material possível para que esse pudesse ser completado pelos demais integrantes da banda.
Em junho de 1991, o Queen gravou o vídeo-clipe da música "These Are The Days Of Our Lives", onde se pode ver um Freddie Mercury muito magro, abatido e com uma voz mais fraca. Monta-se, então, uma vigília em frente à sua casa no Garden Lodge, em Londres, com repórteres e fãs.
A banda em concerto no Rock in Rio, 1985
Em 23 de novembro de 1991, em uma declaração gravada em seu leito de morte, Mercury finalmente divulgou que tinha a síndrome da AIDS. Doze horas depois do anúncio, Mercury faleceu vítima de uma broncopneumonia, aos 45 anos de idade. Seu funeral foi privado, e feito de acordo com os princípios religiosos zoroástricos de sua família. Freddie foi cremado e suas cinzas estão no Garden Lodge.
Em 20 de abril de 1992, os fãs dividiram a tristeza pela perda de Freddie no "The Freddie Mercury Tribute Concert", um show-tributo que reuniu várias bandas e artistas famosos, realizado no estádio de Wembley (Londres). Músicos como George Michael, Annie Lennox, David Bowie, Elton John, Liza Minnelli, Robert Plant, Roger Daltrey, Tony Iommi e bandas como Def Leppard, Extreme, Guns N' Roses e Metallica, juntamente com os integrantes remanescentes do Queen, (Brian May, Roger Taylor e John Deacon) tocaram os maiores sucessos da banda.
Os Queen na verdade nunca se separaram, embora o último álbum de estúdio da formação original tenha sido lançado em 1995, ironicamente intitulado Made In Heaven ("Feito No Paraíso"). Lançado quatro anos depois da morte de Freddie, foi feito a partir das últimas sessões gravadas pelo cantor em 1991, além de material descartado de álbuns anteriores.
Em 1997, John Deacon, depois de gravar o vídeo clipe "No One But You" (música em homenagem a Freddie Mercury) junto com os Queen, decide se retirar do mundo da música para se dedicar a sua família.
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Anos 2000
Em 2005 os membros remanescentes do Queen (Brian May e Roger Taylor) juntam-se a Paul Rodgers (ex-integrante do grupo Free e do Bad Company) e fazem uma extensa turnê pela Europa, que gerou um álbum e DVD chamado "Return of the Champions".
Em 2007 o Queen lança o compacto single "Say It's Not True" que foi lançado também para download na Internet. A música, composta por Roger Taylor, fala sobre a AIDS.
Em 2008 o Queen+Paul Rodgers lançam o 1°. álbum inédito desde o Made in Heaven, chamado "The Cosmos Rocks".
Em 2009 o Queen+Paul Rodgers se separa, a mais provavel causa é que Paul Rodgers voltaria a tocar para a sua ex-banda Bad Company.
Em 2009 é lançado o álbum de compilações "Absolute Greatest".
Em 2011 a banda se apresentou no EMA com Adam Lambert como vocalista.
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Queen ao vivo
As apresentações ao vivo dos Queen eram consideradas inovadoras, empregando grande quantidade de luzes, pirotecnias e outros efeitos especiais que transformavam o espetáculo em um evento teatral. Mercury emergia-se na adulação do público e personificava sua empolgação, uma característica a qual muitos, inclusive Kurt Cobain e Axl Rose, demonstravam profunda admiração.Predefinição:Carece-de-fontes
Os Queen começaram a compor canções com o propósito específico de envolver a platéia, como "We Will Rock You" e "We Are The Champions" e outras, como "Radio Ga Ga", que incluíam palmas como meio rítmico. Isso resultou num momento marcante no Live Aid quando cada pessoa da multidão de quase cem mil pessoas no estádio Wembley batia palmas por sobre suas cabeças em uníssono durante "Radio Ga Ga".
Os Queen embarcaram em muitas turnês bem-sucedidas (incluindo a histórica apresentação no Live Aid) feitos no Estádio Wembley na Inglaterra e na "Cidade do Rock", local montado especialmente para o festival Rock in Rio no Brasil,e a última turnê do grupo, divulgando o álbum "A Kind of Magic".
No entanto, devemos caracterizar os concertos por fases distintas. Na década de 1970, em particular as excursões para promover os álbuns "Queen II" (1974), "Sheer Heart Attack" (1974) e "A Night at the Opera" (1975), o grupo tocava várias canções em formato medley, versões curtas de hits, para ganhar fôlego com canções mais difíceis de serem executadas ao vivo. Como a maioria das canções destes discos possuíam longa duração, a estratégia funcionava, mas para quem conhece mais profundamente o trabalho da banda, o resultado não era tão bom. Canções de boa parte destes discos (ricos, experimentais e inovadores) não foram mais tocadas a partir da década de 1980, quando sintetizadores tomaram parte do som dos Queen. Para muitos críticos, o Queen conseguia superar seus discos tocando ao vivo, o que é raro num show, mesmo sendo fiel aos arranjos de estúdio. Outros temas, de fato, não atingiam uma qualidade comparável no disco, como a melódica "Life Is Real" (do álbum "Hot Space", de 1982), homenagem a John Lennon, e "The March Of The Black Queen" (do álbum "Queen II").
Na década de 1980 os hits mais conhecidos eram explorados em todas as turnês, com versões mais rápidas, ora adicionando ou retirando arranjos. Muitos destes shows estão disponíveis no You Tube.
Com Paul Rodgers, o Queen voltou à estrada em 2005, com o lançamento de um DVD e CD batizado "Return of the Champions".
Em 26 de novembro de 2008 o Queen voltou a tocar no Brasil depois de vinte e três anos. Agora para divulgar o disco "The Cosmos Rocks" (2008) tornando-se oficialmente o mais recente depois de "Made in Heaven" (1995). Agora como trio (May, Taylor e Paul Rodgers) fizeram dois concertos bem-sucedidos no Rio de Janeiro e em São Paulo. O disco também foi lançado em vinil.
Em 6 de Novembro de 2011 a banda se apresentou no EMA, tendo Adam Lambert como vocalista.
Brian May e Tim Staffell, amigos de escola, decidem formar uma banda e colocam um anúncio no Imperial College à procura de um baterista ao estilo Ginger Baker (baterista da banda inglesa Cream). Roger Taylor responde ao anúncio e junto com Tim (vocais, baixo) e Brian (guitarra, vocais), formam o grupo Smile, que chegou a abrir shows para o então jovem guitarrista inglês Jimi Hendrix. Freddie era colega de quarto de Tim, e seguia assiduamente aos concertos do grupo. A essa altura, Freddie era vocalista de outras bandas, como os Wreckage e mais tarde o Ibex. Para além disso, não tinha qualquer problema em partilhar as suas idéias acerca da direcção musical que os Smile deveriam tomar.
Em 1970, Tim decidiu então pôr fim à sua carreira nos Smile, e juntou-se a uma banda chamada Humpty Bong. Freddie substituiu-o, e mudou o nome da banda para Queen, que não agradava de começo os outros integrantes. Então o grupo começa a procurar por um baixista profissional. O primeiro seria Mike Grose, que ficou no Smile de abril à agosto de 1970. Só no ano seguinte, em 1971, que o grupo encontrou seu baixista definitivo, um jovem de Leicester formado em electrônica, chamado John Deacon.
Com a formação definida, o quarteto estava definitivamente em marcha, possuidores de uma imagem inovadora, desfazendo regras musicais anteriores, compondo temas de absoluta originalidade, com nada, ou bem pouco a ver com o resto do rock daqueles tempos.
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Anos 1970
O primeiro álbum da banda, intitulado Queen, foi lançado como uma revolução no Reino Unido, mas não teve o sucesso esperado. Este álbum caracterizou-se por um som pesado, misturando a banda à onda heavy metal que já existia na Inglaterra do início da década de 1970. Deste álbum, destaca-se a faixa "Keep Yourself Alive", canção que conseguiu alcançar o Top 40 do Reino Unido.
O segundo álbum, Queen II, já apresentava um som mais melódico, mostrando já a influência que Freddie viria a ter nas composições da banda. Aqui destaca-se a composição "Seven Seas of Rhye", primeira canção da banda a alcançar o Top 10 do Reino Unido.
A partir do terceiro álbum, Sheer Heart Attack, a banda viria a ter os seus álbuns distribuídos pela Trident e EMI, ocasionando assim uma reviravolta na trajetória da banda. Lançado em 1974, o álbum foi o primeiro da banda a estar entre os 10 mais vendidos da Inglaterra, e tornou o Queen conhecido dos dois lados do Atlântico. A turnê nos EUA foi um sucesso, o que abriu caminho para que a banda pudesse concretizar a sua obra-prima.
Em 1975, o Queen lançou o disco A Night at the Opera, também conhecido entre os fãs como o "White Album" da banda, numa alusão ao disco de mesma importância dos Beatles. Este disco, primeiro da banda a conseguir disco de platina, primeiro a vender mais de um milhão de cópias, primeiro a atingir o topo das paradas do Reino Unido e EUA, definiu um novo tipo de Rock: o rock arte, realizado como uma grande produção, para ser apreciado por todos os ouvidos. Usando uma técnica de retorno da voz, esse disco criou o som que se tornou marca registrada do Queen e o lançou para a fama. Suas canções refletem o espírito da banda: rock pesado com "I'm In Love With My Car"; baladas românticas com "Love Of My Life" (que foi apresentada por Mercury no álbum "Live Killers", de 1979, da seguinte forma: "The things that we have to do for money." "As coisas que a gente tem que fazer por dinheiro.", e foi cantada por toda a multidão que presenciou a esse show maravilhoso) e "You're My Best Friend"; experimentalismo com "The Prophet's Song", e uma canção impossível de se classificar, como "Bohemian Rhapsody". Esta Opera Rock, quando lançada em 1975, recebeu críticas por não ter apelo comercial e ser muito longa. No entanto, a gravadora bancou a aposta, e o resultado foi estrondoso: primeiro lugar das paradas durante nove semanas consecutivas, os quatro álbuns do Queen entre os vinte mais vendidos, um video-clip que ficou conhecido mundialmente pela sua produção e a sua qualidade, iniciando a era do Video-clip e considerada por muitos o maior clássico da história do Rock n' Roll. Após esse álbum, a banda consolidou-se efetivamente como uma das grandes bandas de Rock, firmando terreno para mais e mais sucessos. Aqui, os seus membros (principalmente Mercury) já apresentavam suas excentricidades que ficariam mundialmente conhecidas. Curiosamente, quando o álbum foi lançado em K7, a complexidade da canção Bohemian Rhapsody era tanta que neste ponto a fita ficava transparente; além disso, esta canção sempre que era tocada ao vivo em um dos concertos do Queen era como parte de um medley ou era colocada uma gravação nas partes mais complexas.
Em 1976, o álbum seguinte, "A Day at the Races" (ambos uma ironia, por se tratarem de títulos de filmes dos Irmãos Marx), foi mais dirigido pela guitarra de Brian May e pela bateria de Roger Taylor, tendo, portanto, canções mais pesadas, tais como "Tie Your Mother Down" e "White Man". No entanto, aqui encontramos outra obra-prima vocalística de Freddie Mercury: "Somebody to Love", uma canção recheada de exageros vocais e complexas passagens vocais, que tornou-se êxito imediato e que foi executada excepcionalmente em 1982, no show "Queen On Fire", mais conhecido como Live at The Bowl.
A banda em concerto em Hannover, 1979
Em 1977, "News of The World" trouxe os grandes hits dos estádios da banda, "We Will Rock You" e "We Are The Champions", além da belíssima "Spread Your Wings", composta pelo baixista John Deacon. O Queen serviu-se muito dos grandes estádios, fazendo shows marcantes (sobretudo se considerarmos que o som era feito exclusivamente pelos quatro integrantes, salvo ajudas de Spike Edney nos últimos shows), que criavam uma relação única com o público, sendo reconhecidos até mesmo pela crítica (alguns consideram os shows feitos pelo Queen em Wembley em 1986 como os melhores shows de rock de todos os tempos, sem falar no estrondoso público de 250 mil pessoas na primeira edição do Rock in Rio).
"Jazz", o álbum seguinte, de 1978, foi mal-recebido pela crítica, sob a alegação que o álbum pouco tem a ver com Jazz, apesar do instrumental acústico refinadíssimo e a alma nervosa e suave das canções - o que parece ser o motivo do nome, não suas semelhanças formais imediatas com o jazz (como acontecia por exemplo com os álbuns de Led Zeppelin, em que se pode dizer que este tom é muito mais evidente). "Jazz" também decepcionou a banda com relação à aceitação do público. Apesar disso, obteve alguns sucessos, como "Fat Bottomed Girls" e "Bicycle Race" (esta última, no Estádio de Wimbledon, teve como produção uma volta completa no estádio de dezenas de mulheres nuas em bicicletas, o que causou um certo choque na opinião pública).
Em 1979 lançam "Live Killers", um álbum duplo gravado ao vivo na sua turné mundial entre Janeiro e Abril. Brian May aparece espetacularmente em "Brighton Rock" chegando a ser mencionado por Eric Clapton como um dos melhores guitarristas no cenário do rock mundial.
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Anos 1980
A banda posando com Diego Maradona na Argentina, durante a turnê pela América do Sul.
O ano de 1980 marcou uma mudança no som da banda, até então sempre ressaltada nas capas dos seus discos com a frase "No Syntethizers!". Após o lançamento do álbum ao vivo "Live Killers", em 1979, os Queen lançaram o álbum "The Game", combinação entre o glam rock dos anos 1970 e a plasticidade da década seguinte, o qual demonstrava a intenção da banda em inserir na sua música a eletrônica. Este álbum foi um sucesso principalmente nos EUA, onde a canção "Another One Bites The Dust", com sua belíssima linha de baixo (inspirada na canção "Good Times" da banda Chic),[3] alcançou o topo das paradas de rock, soul e disco. Além dessa canção, o rockabilly "Crazy Little Thing Called Love"[4] tornou-se outro sucesso da banda.
Então, a banda lançou a trilha sonora do filme "Flash Gordon", em 1980. Este disco, pela primeira vez, representou um grande fiasco da banda, não agradando tanto a crítica quanto os fãs.
Com sua popularidade reduzida na Europa, fortemente impactada pela onda Punk que surgia no Reino Unido, o Queen passou a buscar novos mercados para seu som, iniciando visitas a países fora do eixo EUA-Europa-Japão. Pela primeira vez uma grande banda realizava turnês na América do Sul e África. Na sua primeira passagem pelo Brasil, em 1981, nos doze meses que antecederam o show as rádios de São Paulo só tocavam as canções do Queen.
O disco "Hot Space", lançado em 1982, trazia um som muito diferente, substituindo o heavy metal e o hard rock, por um estilo mais disco/funk, e música eletrônica; foi recebido com alguma desconfiança pelos fãs, que já não viam ali a mesma criativa e inovadora banda. No entanto, a sua turnê foi um grande sucesso, mostrando que mesmo com um álbum pouco conceituado as suas exibições continuavam a atrair mais público. Neste álbum, temos a primeira participação do Queen com outro cantor, David Bowie, na faixa "Under Pressure".
Essa época antecipava a carreira solo de Freddie divorciada do rock, virando-se para a pop e eletrônica. Já eram conhecidas as brigas e discussões dos integrantes da banda, com constantes idas e vindas, ameaças de saída, entre outros problemas, no entanto a banda sempre se manteria junta. Essa década foi marcada pelos trabalhos solo dos integrantes do grupo, marcando assim uma maior distância entre os álbuns. Ficou conhecida na imprensa inglesa a briga que os integrantes promoveram entre as gravações do disco "The Works".
Após lançar "The Works", em 1984, o Queen teve no ano seguinte a sua redenção. Convidados para participar do Rock in Rio, verdadeira cidade do Rock construída no Rio de Janeiro, a banda roubou a cena dos espetáculos, tanto pelas excentricidades de seus integrantes quanto pela beleza de suas apresentações ao vivo, realizados para mais de 250 mil pessoas com a tranquilidade de um espetáculo caseiro.
Em 13 de Julho de 1985, o Queen mostrou a todo o mundo sua condição de Estrela do Rock, ao atrair todas as atenções para o show beneficente Live Aid, em prol das vítimas da fome na África. Essa apresentação do Queen no Live Aid é para muitos críticos o maior show de rock de todos os tempos.
A banda em concerto em Frankfurt, 1984
Em 1986 a banda lança o disco "A Kind of Magic", contendo a trilha sonora do filme "Highlander". Este disco trouxe o Queen de volta às paradas de sucesso, com canções bem mais produzidas como "Who Wants To Live Forever", "Friends Will be Friends", "A Kind of Magic" e "One Vision".
No mesmo ano a banda inicia a Magic Tour, a turnê que gerou mais lucros para o Queen, com estádios lotados, e vários registros em vídeo e audio. A turnê foi feita apenas em países europeus.
Em 9 de Agosto de 1986 o Queen se apresentou pela última vez em público. Eles não conseguiram o Wembley novamente pois o estádio já estava reservado, então Roy Thomas Baker (empresário do Queen e ex-produtor da banda) consegue agendar um show no Knebworth Park, que teve todos os ingressos vendidos em duas horas; mais de 140 mil fãs se espremeram no parque para vislumbrar o Queen ao vivo pela última vez. Especula-se que o grupo já sabia de antemão que tratava-se de uma despedida dos palcos.
Em 1987 o Queen sai de férias e Freddie Mercury lança seu segundo álbum solo "The Great Pretender". Mais tarde Freddie descobre um caroço em seu ombro, e vai consultar seu médico, que ao fazer a biopsia do caroço descobre que Freddie Mercury é soropositivo. Freddie Mercury então conta a Jim Hutton, na época seu companheiro, e mais tarde a Roger Taylor. No entanto, esta ideia é controversa, pois várias pessoas confirmam diversas possibilidades de como Mercury descobriu que tinha AIDS, tal como quem foi o primeiro amigo a saber. Em documentário de sua vida, há histórias de que Freddie já teria contraído a doença antes do Rock in Rio e, inclusive, tinha feito o show com a notícia fatal em conhecimento, mas que parece ser pouco plausível já que mesmo seus assistentes mais próximos não confirmam esta versão. Há quem acredite que o primeiro a perceber a doença depois do cantor e o médico foi John Deacon, que, durante uma das festas de aniversário de Freddie Mercury, havia notado algumas manchas em suas costas, quando o cantor encontrava-se dentro da piscina. Interrogado pelo baixista, Freddie resolveu admitir que era soropositivo e, logo após, teria contado aos demais integrantes da banda.
Em 1988 Freddie Mercury faz seu terceiro álbum solo com a participação da soprana Montserrat Caballé (a cantora preferida de Freddie Mercury). A música título do álbum mais tarde virou o hino das Olimpíadas de Barcelona '92. No mesmo ano, Roger Taylor monta uma banda paralela chamada "The Cross" e Brian May segue carreira solo em trabalhos paralelos.
Em 1989 o Queen retorna à ativa e lança o disco "The Miracle", o primeiro a ser lançado em LP e CD simultaneamente, que ficou conhecido pela complexidade de sua capa, então um desafio para os níveis de computação gráfica da época. O disco trazia grandes sucessos como: "The Miracle", "I Want It All", "Scandal", "Breakthru" e "Invisible Man". O álbum obteve um grande sucesso, e mais do que nunca esse álbum foi o símbolo de que o Queen estava mais unido do que nunca. No final de 1989 o grupo foi eleito a melhor e mais influente banda de Rock dos anos 80.
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Anos 1990
Em 1991, começaram a surgir rumores mais fortes de que o cantor Freddie Mercury estava com AIDS. O próprio cantor negou, e decidiu gravar um álbum livre de conflitos e diferenças. Este álbum foi Innuendo, lançado em fevereiro de 1991. Embora sua saúde começasse a se deteriorar, Mercury esforçou-se para finalizar suas contribuições. O álbum fez grande sucesso, por lembrar um pouco os Queen dos anos 70. Destacam-se as canções "The Show Must Go On", "These Are The Days Of Our Lives", "Innuendo" e "I'm Going Slightly Mad". Duas semanas após o lançamento do álbum, os integrantes da banda já estavam gravando novas músicas. Freddie queria deixar o máximo de material possível para que esse pudesse ser completado pelos demais integrantes da banda.
Em junho de 1991, o Queen gravou o vídeo-clipe da música "These Are The Days Of Our Lives", onde se pode ver um Freddie Mercury muito magro, abatido e com uma voz mais fraca. Monta-se, então, uma vigília em frente à sua casa no Garden Lodge, em Londres, com repórteres e fãs.
A banda em concerto no Rock in Rio, 1985
Em 23 de novembro de 1991, em uma declaração gravada em seu leito de morte, Mercury finalmente divulgou que tinha a síndrome da AIDS. Doze horas depois do anúncio, Mercury faleceu vítima de uma broncopneumonia, aos 45 anos de idade. Seu funeral foi privado, e feito de acordo com os princípios religiosos zoroástricos de sua família. Freddie foi cremado e suas cinzas estão no Garden Lodge.
Em 20 de abril de 1992, os fãs dividiram a tristeza pela perda de Freddie no "The Freddie Mercury Tribute Concert", um show-tributo que reuniu várias bandas e artistas famosos, realizado no estádio de Wembley (Londres). Músicos como George Michael, Annie Lennox, David Bowie, Elton John, Liza Minnelli, Robert Plant, Roger Daltrey, Tony Iommi e bandas como Def Leppard, Extreme, Guns N' Roses e Metallica, juntamente com os integrantes remanescentes do Queen, (Brian May, Roger Taylor e John Deacon) tocaram os maiores sucessos da banda.
Os Queen na verdade nunca se separaram, embora o último álbum de estúdio da formação original tenha sido lançado em 1995, ironicamente intitulado Made In Heaven ("Feito No Paraíso"). Lançado quatro anos depois da morte de Freddie, foi feito a partir das últimas sessões gravadas pelo cantor em 1991, além de material descartado de álbuns anteriores.
Em 1997, John Deacon, depois de gravar o vídeo clipe "No One But You" (música em homenagem a Freddie Mercury) junto com os Queen, decide se retirar do mundo da música para se dedicar a sua família.
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Anos 2000
Em 2005 os membros remanescentes do Queen (Brian May e Roger Taylor) juntam-se a Paul Rodgers (ex-integrante do grupo Free e do Bad Company) e fazem uma extensa turnê pela Europa, que gerou um álbum e DVD chamado "Return of the Champions".
Em 2007 o Queen lança o compacto single "Say It's Not True" que foi lançado também para download na Internet. A música, composta por Roger Taylor, fala sobre a AIDS.
Em 2008 o Queen+Paul Rodgers lançam o 1°. álbum inédito desde o Made in Heaven, chamado "The Cosmos Rocks".
Em 2009 o Queen+Paul Rodgers se separa, a mais provavel causa é que Paul Rodgers voltaria a tocar para a sua ex-banda Bad Company.
Em 2009 é lançado o álbum de compilações "Absolute Greatest".
Em 2011 a banda se apresentou no EMA com Adam Lambert como vocalista.
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Queen ao vivo
As apresentações ao vivo dos Queen eram consideradas inovadoras, empregando grande quantidade de luzes, pirotecnias e outros efeitos especiais que transformavam o espetáculo em um evento teatral. Mercury emergia-se na adulação do público e personificava sua empolgação, uma característica a qual muitos, inclusive Kurt Cobain e Axl Rose, demonstravam profunda admiração.Predefinição:Carece-de-fontes
Os Queen começaram a compor canções com o propósito específico de envolver a platéia, como "We Will Rock You" e "We Are The Champions" e outras, como "Radio Ga Ga", que incluíam palmas como meio rítmico. Isso resultou num momento marcante no Live Aid quando cada pessoa da multidão de quase cem mil pessoas no estádio Wembley batia palmas por sobre suas cabeças em uníssono durante "Radio Ga Ga".
Os Queen embarcaram em muitas turnês bem-sucedidas (incluindo a histórica apresentação no Live Aid) feitos no Estádio Wembley na Inglaterra e na "Cidade do Rock", local montado especialmente para o festival Rock in Rio no Brasil,e a última turnê do grupo, divulgando o álbum "A Kind of Magic".
No entanto, devemos caracterizar os concertos por fases distintas. Na década de 1970, em particular as excursões para promover os álbuns "Queen II" (1974), "Sheer Heart Attack" (1974) e "A Night at the Opera" (1975), o grupo tocava várias canções em formato medley, versões curtas de hits, para ganhar fôlego com canções mais difíceis de serem executadas ao vivo. Como a maioria das canções destes discos possuíam longa duração, a estratégia funcionava, mas para quem conhece mais profundamente o trabalho da banda, o resultado não era tão bom. Canções de boa parte destes discos (ricos, experimentais e inovadores) não foram mais tocadas a partir da década de 1980, quando sintetizadores tomaram parte do som dos Queen. Para muitos críticos, o Queen conseguia superar seus discos tocando ao vivo, o que é raro num show, mesmo sendo fiel aos arranjos de estúdio. Outros temas, de fato, não atingiam uma qualidade comparável no disco, como a melódica "Life Is Real" (do álbum "Hot Space", de 1982), homenagem a John Lennon, e "The March Of The Black Queen" (do álbum "Queen II").
Na década de 1980 os hits mais conhecidos eram explorados em todas as turnês, com versões mais rápidas, ora adicionando ou retirando arranjos. Muitos destes shows estão disponíveis no You Tube.
Com Paul Rodgers, o Queen voltou à estrada em 2005, com o lançamento de um DVD e CD batizado "Return of the Champions".
Em 26 de novembro de 2008 o Queen voltou a tocar no Brasil depois de vinte e três anos. Agora para divulgar o disco "The Cosmos Rocks" (2008) tornando-se oficialmente o mais recente depois de "Made in Heaven" (1995). Agora como trio (May, Taylor e Paul Rodgers) fizeram dois concertos bem-sucedidos no Rio de Janeiro e em São Paulo. O disco também foi lançado em vinil.
Em 6 de Novembro de 2011 a banda se apresentou no EMA, tendo Adam Lambert como vocalista.
David Gilmour
Nomeado doutor em arte, nasceu em Cambridge, Inglaterra e cresceu em Grantchester Meadows. Seu pai Douglas Gilmour, foi um professor de Zoologia da Universidade de Cambridge. Sua mãe Sylvia também era professora. A sua educação teve lugar na Waldorf School e foi durante muitos anos um modelo para essa escola, tendo no entanto descrito a sua educação como “horrível”.
Conheceu Syd Barrett quando frequentava o Colégio de Artes e Tecnologia de Cambridge, embora não tenha pertencido á formação inicial dos Pink Floyd. Seu primeiro grupo chamava-se Joker’s Wild para quem começou a tocar em 1963. A banda mudou o seu nome para Flowers em 1967 tendo acabado nesse mesmo ano, tendo Gilmour formado os Bullitt. Juntou-se aos Pink Floyd em Janeiro do ano seguinte. Syd Barrett saiu do grupo alguns meses mais tarde e ele então assumiu o papel de guitarrista principal.
Roger Waters deixou o grupo em 1985 assumindo que sem ele os Pink Floyd se desmembrariam. Em vez disso, David Gilmour assumiu por completo o controle da banda e criou A Momentary Lapse Of Reason. Ele explica:
"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reason focar mais na música, restaurando o equilíbrio."
Carreira solo
Durante os intervalos musicais dos Pink Floyd, passava o tempo tocando como músico de estúdio, produzindo discos e até fazendo as vezes como engenheiro de som de palco para uma enorme variedade de espectáculos incluindo, Roy Harper, Kate Bush, The Dream Academy, Grace Jones, Arcadia, Bryan Ferry, Robert Wyatt, Hawkwind, Paul McCartney, Ringo Starr, Sam Brown, Jools Holland, Propaganda, Pete Townshend, The Who, Supertramp (juntos criaram o êxito "Brother where you bound" do álbum com o mesmo nome), vários "supergrupos" de solidariedade e muito mais.
Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.
Em 2002 fez uma série de concertos acústicos em Londres e Paris, juntamente com Rick Wright (tecladista do Pink Floyd) e uma pequena banda e coro, e que foi documentado na edição de David Gilmour in Concert.
Recentemente em 2006 lançou mais um trabalho solo, "On An Island", considerado por ele o seu melhor trabalho em 30 anos. O disco contou com um elenco de nomes de ouro na música, os quais já conhecidos pela maioria dos fãs de Gilmour como Guy Pratt, Jon Carin e Richard Wright , além das participações de David Crosby e Graham Nash, e a co-produção do guitarrista Phil Manzanera.
No ano de 2008, Gilmour lançou o DVD Duplo "Remember That Night - Live at the Royal Albert Hall" que sintetizou os grandes shows deste seu, até aqui, último trabalho. No segundo semestre do mesmo ano, David lançou o álbum "Live In Gdànsk", gravado na Polônia no ano de 2006, em comemoração aos 26 anos do partido Solidariedade. Assim como em "Remember That Night", este disco traz raridades e clássicos do Pink Floyd, além de seus recentes trabalhos.
Em outubro de 2010, foi anunciado o lançamento do álbum Metallic Spheres, da banda de música eletrônica The Orb, com a colaboração de David. O trabalho contém músicas inacabadas de Gilmour remixadas pelo The Orb em um novo formato de áudio tridimensional.
David Gilmour no começo dos anos 70 no Pink Floyd tocando uma Fender Stratocaster
Gilmour é um músico com uma pegada muito sentimental. Ele transmite ao instrumento tudo o que ele realmente quer que seja executado ( isto é chamado pelos guitarristas de "feeling" ). Foi inovador no uso de efeitos sonoros na guitarra. Conhecido também por improvisar solos ao vivo feitos com a boca, com uma técnica magnífica, fazendo sua guitarra cantar. Recentemente, seu solo em "Comfortably Numb" foi considerado por um site especializado como sendo o melhor solo de guitarra de todos os tempos.
Também utiliza em suas apresentações um modelo de guitarra estilo "mesa", a lapsteel guitar, com a qual faz solos memoráveis e geniais, como em "Breathe", "High Hopes" e "One Of These Days", entre outras.
David possui, dentre muitas outras guitarras, uma das primeiras Fender Stratocaster fabricadas. Com número de série da primeira linha de stratocaster fabricada pela Fender. Um modelo de cor creme e metais dourados. Ele raramente a usa em shows, por ser considerada muito rara e especial, além do receio de que seja roubada. Ele pode ser visto tocando com esta guitarra no show comemorativo do aniversário de 50 anos da Fender Stratocaster, em 2004.
Em 2008 a Fender lançou uma Stratocaster em sua homenagem, batizada de "Black Strat", na sua linha de guitarras "Artist Signature Series". O modelo recria, em detalhes, uma Stratocaster preta com escudo negro que Gilmour a muitos anos utiliza.
Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).
Sua atual esposa é a jornalista e escritora Polly Samson. Casaram-se em 1994 durante a turnê The Division Bell. Tem neste casamento mais quatro filhos: Charlie adotivo (é filho de Polly e do poeta, ator e dramaturgo Heathcote Williams) e três biológicos: Joe, Gabriel e Romany.
Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.
É o membro mais novo do Pink Floyd. Foi convidado pouco tempo antes da saída de Syd Barrett da banda. O primeiro trabalho do Pink Floyd liderado por David Gilmour (após a era Roger Waters) foi o disco A Momentary Lapse of Reason que foi seguido por álbum duplo ao vivo chamado Delicate Sound Of Thunder. Depois de algum tempo fora, a banda voltou a lançar um disco com canções inéditas, The Division Bell. Em 1995 foi lançado outro álbum duplo ao vivo, gravado no teatro Earls Court, Londres, chamado P•U•L•S•E, com direção e liderança de David Gilmour.
Reconhecido por ações humanitárias
Ao longo de sua vida, tem colaborado ativamente em muitas organizações de caridade. Colabora com entidades como: Greenpeace, European Union Mental Health and Illness Association e Anistia Internacional. Realizou um projeto habitacional para os sem-teto e pessoas com deficiência intelectual.
Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de 2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.
David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motivo[3]:
"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."
Conheceu Syd Barrett quando frequentava o Colégio de Artes e Tecnologia de Cambridge, embora não tenha pertencido á formação inicial dos Pink Floyd. Seu primeiro grupo chamava-se Joker’s Wild para quem começou a tocar em 1963. A banda mudou o seu nome para Flowers em 1967 tendo acabado nesse mesmo ano, tendo Gilmour formado os Bullitt. Juntou-se aos Pink Floyd em Janeiro do ano seguinte. Syd Barrett saiu do grupo alguns meses mais tarde e ele então assumiu o papel de guitarrista principal.
Roger Waters deixou o grupo em 1985 assumindo que sem ele os Pink Floyd se desmembrariam. Em vez disso, David Gilmour assumiu por completo o controle da banda e criou A Momentary Lapse Of Reason. Ele explica:
"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reason focar mais na música, restaurando o equilíbrio."
Carreira solo
Durante os intervalos musicais dos Pink Floyd, passava o tempo tocando como músico de estúdio, produzindo discos e até fazendo as vezes como engenheiro de som de palco para uma enorme variedade de espectáculos incluindo, Roy Harper, Kate Bush, The Dream Academy, Grace Jones, Arcadia, Bryan Ferry, Robert Wyatt, Hawkwind, Paul McCartney, Ringo Starr, Sam Brown, Jools Holland, Propaganda, Pete Townshend, The Who, Supertramp (juntos criaram o êxito "Brother where you bound" do álbum com o mesmo nome), vários "supergrupos" de solidariedade e muito mais.
Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.
Em 2002 fez uma série de concertos acústicos em Londres e Paris, juntamente com Rick Wright (tecladista do Pink Floyd) e uma pequena banda e coro, e que foi documentado na edição de David Gilmour in Concert.
Recentemente em 2006 lançou mais um trabalho solo, "On An Island", considerado por ele o seu melhor trabalho em 30 anos. O disco contou com um elenco de nomes de ouro na música, os quais já conhecidos pela maioria dos fãs de Gilmour como Guy Pratt, Jon Carin e Richard Wright , além das participações de David Crosby e Graham Nash, e a co-produção do guitarrista Phil Manzanera.
No ano de 2008, Gilmour lançou o DVD Duplo "Remember That Night - Live at the Royal Albert Hall" que sintetizou os grandes shows deste seu, até aqui, último trabalho. No segundo semestre do mesmo ano, David lançou o álbum "Live In Gdànsk", gravado na Polônia no ano de 2006, em comemoração aos 26 anos do partido Solidariedade. Assim como em "Remember That Night", este disco traz raridades e clássicos do Pink Floyd, além de seus recentes trabalhos.
Em outubro de 2010, foi anunciado o lançamento do álbum Metallic Spheres, da banda de música eletrônica The Orb, com a colaboração de David. O trabalho contém músicas inacabadas de Gilmour remixadas pelo The Orb em um novo formato de áudio tridimensional.
David Gilmour no começo dos anos 70 no Pink Floyd tocando uma Fender Stratocaster
Gilmour é um músico com uma pegada muito sentimental. Ele transmite ao instrumento tudo o que ele realmente quer que seja executado ( isto é chamado pelos guitarristas de "feeling" ). Foi inovador no uso de efeitos sonoros na guitarra. Conhecido também por improvisar solos ao vivo feitos com a boca, com uma técnica magnífica, fazendo sua guitarra cantar. Recentemente, seu solo em "Comfortably Numb" foi considerado por um site especializado como sendo o melhor solo de guitarra de todos os tempos.
Também utiliza em suas apresentações um modelo de guitarra estilo "mesa", a lapsteel guitar, com a qual faz solos memoráveis e geniais, como em "Breathe", "High Hopes" e "One Of These Days", entre outras.
David possui, dentre muitas outras guitarras, uma das primeiras Fender Stratocaster fabricadas. Com número de série da primeira linha de stratocaster fabricada pela Fender. Um modelo de cor creme e metais dourados. Ele raramente a usa em shows, por ser considerada muito rara e especial, além do receio de que seja roubada. Ele pode ser visto tocando com esta guitarra no show comemorativo do aniversário de 50 anos da Fender Stratocaster, em 2004.
Em 2008 a Fender lançou uma Stratocaster em sua homenagem, batizada de "Black Strat", na sua linha de guitarras "Artist Signature Series". O modelo recria, em detalhes, uma Stratocaster preta com escudo negro que Gilmour a muitos anos utiliza.
Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).
Sua atual esposa é a jornalista e escritora Polly Samson. Casaram-se em 1994 durante a turnê The Division Bell. Tem neste casamento mais quatro filhos: Charlie adotivo (é filho de Polly e do poeta, ator e dramaturgo Heathcote Williams) e três biológicos: Joe, Gabriel e Romany.
Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.
É o membro mais novo do Pink Floyd. Foi convidado pouco tempo antes da saída de Syd Barrett da banda. O primeiro trabalho do Pink Floyd liderado por David Gilmour (após a era Roger Waters) foi o disco A Momentary Lapse of Reason que foi seguido por álbum duplo ao vivo chamado Delicate Sound Of Thunder. Depois de algum tempo fora, a banda voltou a lançar um disco com canções inéditas, The Division Bell. Em 1995 foi lançado outro álbum duplo ao vivo, gravado no teatro Earls Court, Londres, chamado P•U•L•S•E, com direção e liderança de David Gilmour.
Reconhecido por ações humanitárias
Ao longo de sua vida, tem colaborado ativamente em muitas organizações de caridade. Colabora com entidades como: Greenpeace, European Union Mental Health and Illness Association e Anistia Internacional. Realizou um projeto habitacional para os sem-teto e pessoas com deficiência intelectual.
Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de 2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.
David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motivo[3]:
"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."
Iron Maiden
Iron Maiden é uma banda britânica de heavy metal, formada em 1975 pelo baixista Steve Harris, ex-integrante das bandas Gypsy's Kiss e Smiler. Originária de Londres, foi uma das principais bandas do movimento musical que ficou conhecido como NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal). O nome "Iron Maiden" ("donzela de ferro"), homônimo de um instrumento de tortura medieval que aparece no filme O Homem da Máscara de Ferro, baseado na obra de Alexandre Dumas.
Com mais de três décadas de existência, quinze álbuns de estúdio, seis álbuns ao vivo, catorze vídeos e diversos compactos, o Iron Maiden é uma das mais importantes e bem sucedidas bandas de toda a história do heavy metal, tendo vendido mais de 85 milhões de álbuns registrados em todo o mundo. Seu trabalho influenciou diversas bandas de rock e metal. Eles são citados como influência por bandas como Pantera, Sepultura, Anthrax, Angra, Metallica, Helloween, Death, Megadeth, Dream Theater, Blind Guardian, Mystery,Slayer entre muitos outros.
O Iron Maiden quase nunca canta sobre drogas, sexo, bebida ou mulheres. As letras das músicas da banda são baseadas na literatura inglesa e em fatos históricos, principalmente por Steve Harris ser um estudioso de história, principalmente egípcia, e o vocalista Bruce Dickinson ser formado no curso de história. Outro aspecto conhecido da banda é o mascote Eddie, que estampa a capa de todos os discos de estúdio e aparece nas perfomances ao vivo.
Em 2002, a banda recebeu o prêmio Ivor Novello em reconhecimento às realizações em um parâmetro internacional como uma das mais bem-sucedidas parcerias de composição da Inglaterra. Durante a turnê americana de 2005, foi adicionada à Calçada da Fama do Rock de Hollywood. Em 2011, ganharam seu primeiro Grammy por "El Dorado". A banda também está presente nas principais listas de maiores bandas de rock de todos os tempos, assim, sendo considerada pela MTV a 4ª maior banda de heavy metal de todos os tempos.
O Maiden já encabeçou diversos grandes eventos, entre eles Rock in Rio, Monsters of Rock em Donington, Ozzfest, Wacken Open Air, Gods of Metal, Lollapalooza, Download Festival e os Festivais de Reading e Leeds.
Com mais de três décadas de existência, quinze álbuns de estúdio, seis álbuns ao vivo, catorze vídeos e diversos compactos, o Iron Maiden é uma das mais importantes e bem sucedidas bandas de toda a história do heavy metal, tendo vendido mais de 85 milhões de álbuns registrados em todo o mundo. Seu trabalho influenciou diversas bandas de rock e metal. Eles são citados como influência por bandas como Pantera, Sepultura, Anthrax, Angra, Metallica, Helloween, Death, Megadeth, Dream Theater, Blind Guardian, Mystery,Slayer entre muitos outros.
O Iron Maiden quase nunca canta sobre drogas, sexo, bebida ou mulheres. As letras das músicas da banda são baseadas na literatura inglesa e em fatos históricos, principalmente por Steve Harris ser um estudioso de história, principalmente egípcia, e o vocalista Bruce Dickinson ser formado no curso de história. Outro aspecto conhecido da banda é o mascote Eddie, que estampa a capa de todos os discos de estúdio e aparece nas perfomances ao vivo.
Em 2002, a banda recebeu o prêmio Ivor Novello em reconhecimento às realizações em um parâmetro internacional como uma das mais bem-sucedidas parcerias de composição da Inglaterra. Durante a turnê americana de 2005, foi adicionada à Calçada da Fama do Rock de Hollywood. Em 2011, ganharam seu primeiro Grammy por "El Dorado". A banda também está presente nas principais listas de maiores bandas de rock de todos os tempos, assim, sendo considerada pela MTV a 4ª maior banda de heavy metal de todos os tempos.
O Maiden já encabeçou diversos grandes eventos, entre eles Rock in Rio, Monsters of Rock em Donington, Ozzfest, Wacken Open Air, Gods of Metal, Lollapalooza, Download Festival e os Festivais de Reading e Leeds.
Radiohead
Radiohead é uma banda inglesa de rock alternativo, formada no ano de 1988 em Oxford por Thom Yorke (vocais, guitarra, piano), Jonny Greenwood (guitarra), Ed O'Brien (guitarra), Colin Greenwood (baixo, sintetizador) e Phil Selway (bateria, percussão).
Os Radiohead lançaram o seu primeiro single, "Creep", no ano de 1992 e o seu primeiro álbum de estúdio, Pablo Honey, em 1993. Ainda que o single de "Creep" não tenha feito sucesso quando foi lançado, seu relançamento, no ano seguinte, fez da canção um hit internacional. A popularidade desta banda no Reino Unido aumentou com o lançamento de seu segundo álbum de estúdio, The Bends, em 1995. A textura atmosférica das guitarras e o falsete de Thom Yorke foram bastante aclamados por críticos e fãs. Com o lançamento de OK Computer em 1997, os Radiohead ganharam fama mundial. Contando com um som bastante expansivo e temas sobre a alienação moderna, OK Computer é aclamado até hoje como um marco dos anos 90. O lançamento de Kid A, em 2000, e de Amnesiac, em 2001, marcou o pico da popularidade dos Radiohead, ainda que estes dois álbuns tenham tido opiniões controversas entre críticos e fãs. Este período marcou uma considerável mudança no som dos Radiohead, com a banda incorporando elementos experimentais de música eletrônica e jazz nas suas composições. Hail to the Thief (2003), sexto álbum de estúdio da banda, mesclou todos os estilos que a banda já empregou em sua carreira, como as guitarras distorcidas, música electrônica e letras contemporâneas. Dando sequência ao lançamento de Hail to the Thief, os Radiohead entraram em hiato, saíram de sua gravadora EMI e lançaram o seu sétimo álbum, In Rainbows, em 2007, por meio de download digital, pelo qual os compradores escolhiam o quanto queriam pagar.
Os Radiohead lançaram o seu primeiro single, "Creep", no ano de 1992 e o seu primeiro álbum de estúdio, Pablo Honey, em 1993. Ainda que o single de "Creep" não tenha feito sucesso quando foi lançado, seu relançamento, no ano seguinte, fez da canção um hit internacional. A popularidade desta banda no Reino Unido aumentou com o lançamento de seu segundo álbum de estúdio, The Bends, em 1995. A textura atmosférica das guitarras e o falsete de Thom Yorke foram bastante aclamados por críticos e fãs. Com o lançamento de OK Computer em 1997, os Radiohead ganharam fama mundial. Contando com um som bastante expansivo e temas sobre a alienação moderna, OK Computer é aclamado até hoje como um marco dos anos 90. O lançamento de Kid A, em 2000, e de Amnesiac, em 2001, marcou o pico da popularidade dos Radiohead, ainda que estes dois álbuns tenham tido opiniões controversas entre críticos e fãs. Este período marcou uma considerável mudança no som dos Radiohead, com a banda incorporando elementos experimentais de música eletrônica e jazz nas suas composições. Hail to the Thief (2003), sexto álbum de estúdio da banda, mesclou todos os estilos que a banda já empregou em sua carreira, como as guitarras distorcidas, música electrônica e letras contemporâneas. Dando sequência ao lançamento de Hail to the Thief, os Radiohead entraram em hiato, saíram de sua gravadora EMI e lançaram o seu sétimo álbum, In Rainbows, em 2007, por meio de download digital, pelo qual os compradores escolhiam o quanto queriam pagar.
quarta-feira, 21 de março de 2012
Johnny Cash
John Ray Cash, mais conhecido como Johnny Cash, (Kingsland, 26 de fevereiro de 1932 — Nashville, 12 de setembro de 2003) foi um cantor e compositor Estadunidense de música country, conhecido por seus fãs como "O Homem de Preto". Em uma carreira que durou quase cinco décadas ele foi para muitas pessoas a personificação do country. Sua voz sepulcral e o distintivo som "boom chicka boom" de sua banda de apoio "Tennessee Two" são algumas de suas "marcas registradas.
Stone Temple Pilots
Stone Temple Pilots (comumente referidos como STP) é uma banda de rock alternativo estado-unidense consistindo de Scott Weiland, dos irmãos Robert e Dean DeLeo, e Eric Kretz. A banda ficou ativa de 1986 a 2003, mas debandou devido a conflitos entre seus membros e reuniu-se em 2008.
Tudo começou com o vocalista Scott Weiland, que em 1991 tinha uma banda de rock chamada Mighty Joe Young. O fim desse grupo e a saída dos integrantes fizeram com que Scott montasse o Stone Temple Pilots, em 1992. O primeiro CD da banda, integrada por Scott Weiland (vocais), Robert DeLeo (baixo), Dean DeLeo (guitarra) e Eric Kretz (bateria) foi lançado no mesmo ano: Core, que vendeu mais de 7 milhões de cópias em todo mundo. Criticados no início da carreira por fazer um som que muitos consideravam uma mistura de Pearl Jam com Alice in Chains, o STP ganhou o prêmio da MTV de "Banda Revelação" pelo clipe da música "Plush" e alcançou o respeito no meio musical.
Em 1993, a banda gravou um acústico para a MTV e em 1994, lançou o segundo CD, Purple, que mais uma vez foi sucesso de vendas com mais de 5 milhões de cópias vendidas. Já consagrada como uma das principais bandas de hard rock, o terceiro trabalho do STP chegou em 1996 com o título Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop. No meio da turnê, o vocalista Scott Weiland teve sérios problemas com drogas e a banda foi obrigada a cancelar várias apresentações. Rumores de que os outros integrantes teriam feito as músicas e creditado a autoria a Scott resultou na venda de 2 milhões de discos no mundo, um número bem inferior aos alcançados com os CDs anteriores.
As músicas desse CD mostravam claramente a situação vivida pelo grupo. Em "Tumble In the Rough", um dos versos diz: "Eu estou procurando por uma nova meditação, ainda procurando uma nova maneira para voar, e não uma nova maneira de morrer".
Em 1993, a banda gravou um acústico para a MTV e em 1994, lançou o segundo CD, Purple, que mais uma vez foi sucesso de vendas com mais de 5 milhões de cópias vendidas. Já consagrada como uma das principais bandas de hard rock, o terceiro trabalho do STP chegou em 1996 com o título Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop. No meio da turnê, o vocalista Scott Weiland teve sérios problemas com drogas e a banda foi obrigada a cancelar várias apresentações. Rumores de que os outros integrantes teriam feito as músicas e creditado a autoria a Scott resultou na venda de 2 milhões de discos no mundo, um número bem inferior aos alcançados com os CDs anteriores.
As músicas desse CD mostravam claramente a situação vivida pelo grupo. Em "Tumble In the Rough", um dos versos diz: "Eu estou procurando por uma nova meditação, ainda procurando uma nova maneira para voar, e não uma nova maneira de morrer".
Queens Of The Stone Age
Queens of the Stone Age (também conhecidos pelo acrônimo QotSA) é uma banda estadunidense de rock formada em Palm Desert, Califórnia em 1997.
É muito conhecida por popularizar o gênero que até os anos 2000 não era muito considerado, conhecido como Stoner Rock e pela sua constante mudança de integrantes, sendo o único integrante original o Vocalista/Guitarrista/Compositor da banda, Josh Homme.
É muito conhecida por popularizar o gênero que até os anos 2000 não era muito considerado, conhecido como Stoner Rock e pela sua constante mudança de integrantes, sendo o único integrante original o Vocalista/Guitarrista/Compositor da banda, Josh Homme.
Foo Fighters
Foo Fighters é uma banda de rock norte-americana que começou suas atividades no ano de 1995, o nome da banda é uma referência ao termo “foo fighter”, usado por aviadores na época da Segunda Guerra Mundial e para descrever fenômenos aéreos misteriosos, considerados OVINIS.
Logo no 1° Cd, a banda alcançou o sucesso com os hits This Is a Call, Big Me e I’ll Stick Around deixando uma ótima impressão tanto para a crítica, quanto para os fãs em geral.
Hoje em dia a banda possui 7 cds lançados, contando com o acústico Skin and Bones, e também vários prêmios importantes na carreira, como os cd’s There Is Nothing Left to Lose, One by One e Echoes, Silence, Patience & Grace, que ganharam o Grammy por “Melhor Álbum de Rock“.
No momento a banda está em recesso e afirmaram que só retornam as atividades quando o público sentir a falta deles, essa foi uma declaração do próprio Dave Grohl.
Logo no 1° Cd, a banda alcançou o sucesso com os hits This Is a Call, Big Me e I’ll Stick Around deixando uma ótima impressão tanto para a crítica, quanto para os fãs em geral.
Hoje em dia a banda possui 7 cds lançados, contando com o acústico Skin and Bones, e também vários prêmios importantes na carreira, como os cd’s There Is Nothing Left to Lose, One by One e Echoes, Silence, Patience & Grace, que ganharam o Grammy por “Melhor Álbum de Rock“.
No momento a banda está em recesso e afirmaram que só retornam as atividades quando o público sentir a falta deles, essa foi uma declaração do próprio Dave Grohl.
terça-feira, 20 de março de 2012
Pearl Jam
Live on Two Legs é o primeiro álbum ao vivo dos Pearl Jam, sendo gravado ao longo da tour de 1998, e foi lançado a 24 de Novembro de 1998 pela Epic Records. O álbum foi certificado platina pela RIAA nos Estados Unidos.
Pearl Jam
Após a turnê de suporte à Yield, o Pearl Jam fez um pequena pausa, mas se reuniu novamente e, próximo ao fim de 1999, a banda começou a trabalhar em um novo álbum. Em 16 de maio de 2000, a banda lançou seu sexto álbum de estúdio, Binaural, o primeiro com Matt Cameron na bateria. O título é uma referência à técnica de gravação binaural, utilizada em diversas faixas pelo produtor Tchad Blake, conhecido pelo uso da técnica. Binaural foi o primeiro álbum da banda a não ser produzido por Brendan O'Brien, ainda que, depois, ele tenha sido chamado para mixar algumas faixas. Gossard afirmou que os membros da banda estavam "prontos para uma mudança." Jon Pareles, da Rolling Stone, disse: "Aparentemente tão cansados do grunge como todo mundo, exceto os fãs de Creed, o Pearl Jam mergulhou em outra onda." O álbum contém letras mais sombrias do que Yield — Gossard descreveu-as como "muito sombrias". De Binaural saíram os singles "Nothing as It Seems" — uma das músicas com gravação binaural — e "Light Years". O álbum vendeu pouco mais de 700 mil cópias, se tornando o primeiro álbum de estúdio do grupo a não atingir a certificação de platina.
Pearl Jam
No Code é o quarto álbum, de grafismo inovador, a capa do álbum é formada por 144 polaroides, tiradas pela banda, divididas em quatro secções. O primeiro single foi "Who You Are".
Vedder disse que gravar No Code foi "tudo sobre ganhar perspectiva. Lançado em 27 de agosto de 1996 — exatamente cinco anos após seu primeiro álbum — No Code foi visto como uma deliberada mudança do som da banda desde Ten, favorecendo baladas e um rock de garagem barulhento. David Browne, da Entertainment Weekly afirmou que "No Code mostra uma gama maior de estados de espírito e instrumentação do que qualquer outro álbum do Pearl Jam." As letras do álbum tratam de temas como auto-examinação, onde Ament disse que "De algumas maneiras, é como a história da banda. É sobre crescer."Ainda que o álbum tenha estreado na primeira posição da Billboard, ele desceu rapidamente nas paradas. De No Code saíram os singles "Who You Are", "Hail, Hail" e "Off He Goes". Assim como em Vitalogy, a turnê de divulgação foi pequena, devido à recusa da banda em tocar nos locais da Ticketmaster. Uma turnê europeia aconteceu no outono de 1996. Gossard disse que havia "muito stress associado a tentar excursionar na época", e que "estava se tornando mais e mais difícil ficar excitado em ser parte de uma banda.
Vedder disse que gravar No Code foi "tudo sobre ganhar perspectiva. Lançado em 27 de agosto de 1996 — exatamente cinco anos após seu primeiro álbum — No Code foi visto como uma deliberada mudança do som da banda desde Ten, favorecendo baladas e um rock de garagem barulhento. David Browne, da Entertainment Weekly afirmou que "No Code mostra uma gama maior de estados de espírito e instrumentação do que qualquer outro álbum do Pearl Jam." As letras do álbum tratam de temas como auto-examinação, onde Ament disse que "De algumas maneiras, é como a história da banda. É sobre crescer."Ainda que o álbum tenha estreado na primeira posição da Billboard, ele desceu rapidamente nas paradas. De No Code saíram os singles "Who You Are", "Hail, Hail" e "Off He Goes". Assim como em Vitalogy, a turnê de divulgação foi pequena, devido à recusa da banda em tocar nos locais da Ticketmaster. Uma turnê europeia aconteceu no outono de 1996. Gossard disse que havia "muito stress associado a tentar excursionar na época", e que "estava se tornando mais e mais difícil ficar excitado em ser parte de uma banda.
Pearl Jam
O nono álbum de estúdio de banda, Backspacer, foi lançado em 20 de setembro de 2009, estreando na primeira posição da Billboard, o primeiro álbum da banda a atingir tal marca desde No Code, em 1996. As músicas do álbum apresentam uma sonoriadde influenciada pelo pop e pela New Wave. Stephen Thomas Erlewine, do Allmusic, disse que a música do álbum é "casual e divertida". Sobre as letras, Eddie Vedder disse: "Eu tenho tentado, ao longo dos anos, ser esperançoso nas letras, e eu acho que isso vai se tornar mais fácil agora." "The Fixer" foi escolhido como primeiro single do álbum, além de também ter sido feito um videoclipe para a música, dirigido por Cameron Crowe, com sequências do show secreto realizado em Seattle, em maio.
O disco foi produzido pelo produtor Brendan O'Brien, que já trabalhou com a banda em outros discos, como Vitalogy e Yield. Seu lançamento aconteceu em 18 de setembro de 2009 na Europa e Oceania e em 21 de setembro nos EUA. A distribuição é independente nos Estados Unidos e contou com a Universal Music Group no resto do mundo.
Em 1º de junho de 2009, o Pearl Jam tocou uma nova música de Backspacer chamada "Got Some", no The Tonight Show with Conan O'Brien. Em agosto do mesmo ano, a banda encabeçou o Virgin Festival, o Outside Lands Music and Arts Festival, além de ter feito cinco shows na Europa e três na América da Norte; em outubro, encabeçou o Austin City Limits Music Festival, que teve lugar em meio à turnê norte-americana de Backspacer. Ainda em outubro, na noite de dia das bruxas, a banda fez aquela que se tornaria a última apresentação do Philadelphia Spectrum, tocando por mais de três horas, com um repertório de 41 músicas. Uma nova turnê, consistindo de shows na Oceania, ocorreu em seguida. A banda apareceu como convidada do Saturday Night Live em 13 de março de 2010; em maio, a banda embarcou em nova turnê, iniciada no New Orleans Jazz & Heritage Festival e encerrada em 21 de maio, no Madison Square Garden. Uma turnê europeia ocorreu entre junho e julho, onde a banda tocou, pela primeira vez, na Irlanda do Norte, na Odyssey Arena, em Belfast.
Em 1º de junho de 2009, o Pearl Jam tocou uma nova música de Backspacer chamada "Got Some", no The Tonight Show with Conan O'Brien. Em agosto do mesmo ano, a banda encabeçou o Virgin Festival, o Outside Lands Music and Arts Festival, além de ter feito cinco shows na Europa e três na América da Norte; em outubro, encabeçou o Austin City Limits Music Festival, que teve lugar em meio à turnê norte-americana de Backspacer. Ainda em outubro, na noite de dia das bruxas, a banda fez aquela que se tornaria a última apresentação do Philadelphia Spectrum, tocando por mais de três horas, com um repertório de 41 músicas. Uma nova turnê, consistindo de shows na Oceania, ocorreu em seguida. A banda apareceu como convidada do Saturday Night Live em 13 de março de 2010; em maio, a banda embarcou em nova turnê, iniciada no New Orleans Jazz & Heritage Festival e encerrada em 21 de maio, no Madison Square Garden. Uma turnê europeia ocorreu entre junho e julho, onde a banda tocou, pela primeira vez, na Irlanda do Norte, na Odyssey Arena, em Belfast.
Pearl Jam
Em novembro, a banda lançou Lost Dogs, uma coletânea de dois discos contendo raridades, b-sides e Live at the Garden, um DVD contendo o show da banda no Madison Square Garden em 8 de julho de 2003, ambos através da Epic Records
É uma compilação de gravações não lançadas nos outros álbuns da banda. O álbum foi certificado com um disco de ouro pela RIAA nos Estados Unidos por mais de 500 mil cópias vendidas.
Pearl Jam
Vitalogy é o terceiro álbum de originais dos Pearl Jam gravado em Seattle que teve uma edição em vynil em 22 Novembro 1994.
Deste álbum saíram êxitos como "Corduroy", "Nothingman" e "Better Man", e foram vendidos cerca de 5 milhões de unidades. Sua sonoridade é menos agressiva que a de seus predecessores, Ten e Vs.
Deste álbum saíram êxitos como "Corduroy", "Nothingman" e "Better Man", e foram vendidos cerca de 5 milhões de unidades. Sua sonoridade é menos agressiva que a de seus predecessores, Ten e Vs.
Pearl Jam
As sessões para o quinto álbum representaram mais um esforço em grupo entre os membros da banda. Disse Ament: "todos realmente tinham alguma um pouco a dizer na gravação […] por causa disso, todos se sentiram como uma parte integrante da banda."Em 3 de janeiro de 1998 o Pearl Jam lançou seu quinto álbum ed estúdio, Yield, que foi citado como um retorno da banda ao som roqueiro de outrora. Em relação às letras, o álbum continuou com seu estilo mais contemplativo, o mesmo encontrado em No Code, com Vedder afirmando que "O que no passado foi raiva, se tornou reflexão."Yield estreou na segunda posição da Billboard; mas, assim como No Code, caiu rápido nas paradas. Do álbum foram extraídos dois singles: "Given to Fly" e "Wishlist". A banda contratou o desenhista de HQs Todd McFarlane para criar um videoclipe animado para "Do the Evolution", o primeiro videoclipe da banda desde 1992. No mesmo ano, foi lançado um documentário detalhando o making of de Yield, intitulado Single Video Theory, lançado como VHS e DVD.
Pearl Jam
Vs. é o segundo álbum de estúdio da banda grunge estadunidense Pearl Jam, lançado em 19 de outubro de 1993 pela Epic Records. Depois de uma incansável agenda de shows em apoio do seu álbum de estreia, Ten, de 1991, o Pearl Jam se dirigiu para o estúdio no início de 1993 para enfrentar o desafio de acompanhar o sucesso comercial de sua estreia. O álbum resultante, Vs., apresenta um som mais cru e mais agressivo em comparação com o lançamento anterior da banda.
O Pearl Jam decidiu reduzir a escala de seus esforços comerciais para Vs., incluindo a redução de produzir videoclipes para qualquer um dos singles do álbum. Após o seu lançamento, Vs. bateu o recorde de mais cópias de um álbum vendido em sua primeira semana, um recorde que foi mantido durante cinco anos. Vs. ocupou o primeiro lugar na Billboard 200 durante cinco semanas, a duração mais longa para um álbum do Pearl Jam. O álbum foi certificado sete vezes platina pela RIAA nos Estados Unidos.
O Pearl Jam decidiu reduzir a escala de seus esforços comerciais para Vs., incluindo a redução de produzir videoclipes para qualquer um dos singles do álbum. Após o seu lançamento, Vs. bateu o recorde de mais cópias de um álbum vendido em sua primeira semana, um recorde que foi mantido durante cinco anos. Vs. ocupou o primeiro lugar na Billboard 200 durante cinco semanas, a duração mais longa para um álbum do Pearl Jam. O álbum foi certificado sete vezes platina pela RIAA nos Estados Unidos.
Para seu segundo álbum, o Pearl Jam sentiu a pressão de tentar igualar o sucesso de seu álbum de estreia, Ten. Em uma entrevista em 2002, o guitarrista Mike McCready disse: "A banda explodiu muito grande e tudo era muito louco."[1] Vs. foi o primeiro álbum do Pearl Jam a ter direitos de produção manipulados pelo produtor Brendan O'Brien. Foi também o primeiro álbum da banda com o baterista Dave Abbruzzese, que se juntou a banda em agosto de 1991 e fez turnê para o álbum Ten. Os ensaios para Vs. começaram em fevereiro de 1993, no Potatohead Studio em Seattle, Washington. A banda então se mudou para o The Site em Nicasio, Califórnia, em março de 1993 para iniciar a gravação. Abbruzzese chamou o sítio tranquilo da gravação de "paraíso", enquanto o vocalista Eddie Vedder disse: "Eu odeio isso aqui...Eu tive um momento difícil ... Como você faz um disco de rock aqui?".
Vs. inclui os singles de sucesso "Go", "Daughter", "Animal" e "Dissident". Todos os quatro singles foram colocados nas paradas Mainstream Rock e Modern Rock. "Daughter" foi a canção de maior sucesso de Vs. nas paradas de rock, alcançando o número 1 em ambas as paradas Mainstream Rock e Modern Rock, ficando em um total de oito semanas no número um do primeiro. As faixas do álbum "Glorified G" e "Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town" também alcançaram. No Grammy Awards de 1995, "Daughter" recebeu uma nomeação por "Melhor Performance de Rock por um Duo ou um Grupo com Vocalista" e "Go" recebeu uma nomeação por "Melhor Performance de Hard Rock". Vs. recebeu uma nomeação por "Melhor Álbum de Rock".
Pearl Jam
O Pearl Jam entrou no estúdio London Bridge em março de 1991, para a gravação do seu primeiro álbum, Ten. McCready disse que "Ten foi sobretudo Stone e Jeff; eu e Eddie estávamos 'de carona' naquela época." Krusen deixou a banda em maio de 1991, após ter se internado em uma clínica de reabilitação; ele foi substituído por Matt Chamberlain, que havia tocado anteriormente com Edie Brickell & New Bohemians. Após participar de alguns shows — um dos quais foi filmado para o videoclipe de "Alive" — Chamberlain deixou o grupo para integrar a banda do Saturday Night Live. Chamberlain sugeriu Dave Abbruzzese em seu lugar; este uniu-se ao grupo e tocou no restante dos shows da turnê de suporte à Ten.
Lançado em 27 de agosto de 1991, Ten — homenagem ao número da camisa de Mookie Baylock — continha onze faixas que tratavam de assuntos obscuros, como depressão, suicídio, solidão e assassinato. O estilo musical de Ten, influenciado pelo rock clássico, combinou um "vocabulário harmônico expansivo" com um som icônico. Apesar de as vendas iniciais não terem sido muito rápidas, na segunda metade de 1992, tornou-se um sucesso, recebendo certificação de ouro e atingindo a segunda posição da Billboard. De Ten saíram três singles de sucesso: "Alive", "Even Flow" e "Jeremy". Originalmente interpretada com um hino para muitos, Vedder revelou, mais tarde, que "Alive" conta uma história — semi-biográfica — de um filho que descobre que o seu pai, na verdade, é seu padrasto; enquanto isso, a tristeza de sua mãe faz com que ela embrace sexualmente o filho, que se parece muito com o seu pai biológico. A música e o videoclipe de "Jeremy" foram inspirados por uma história real na qual um estudante do ensino médio atira em si próprio na frente de seus colegas de classe. Ten permaneceu na Billboard por mais de dois anos, tornando-se um dos álbuns de rock mais vendidos de sempre, recebendo por 13 vezes a certificação de disco de platina.
Led Zeppelin,
Led Zeppelin é o álbum de estreia da banda inglesa de Heavy rock Led Zeppelin. Foi gravado em outubro de 1968 no Olympic Studios em Londres e lançado pela Atlantic Records em 12 de janeiro de 1969. O álbum foi criado e produzido por todos os quatro integrantes do grupo e estabeleceu a difusão entre blues e rock. A banda também criou um grande número de seguidores e devotados, com suas próprias canções de hard rock e som agradável; para eles uma parte da contracultura em ambos os lados do Atlântico.
Embora inicialmente o álbum tenha sido negativamente recebido pela crítica, foi muito bem sucedido comercialmente e, ao longo dos anos, passou a ser aclamado mundialmente, sendo considerado um dos maiores álbuns de todos os tempos. Em 2003, o álbum ficou na 29ª colocação na Lista dos 500 melhores álbuns de sempre da Revista Rolling Stone. Aparece também na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame.
Embora inicialmente o álbum tenha sido negativamente recebido pela crítica, foi muito bem sucedido comercialmente e, ao longo dos anos, passou a ser aclamado mundialmente, sendo considerado um dos maiores álbuns de todos os tempos. Em 2003, o álbum ficou na 29ª colocação na Lista dos 500 melhores álbuns de sempre da Revista Rolling Stone. Aparece também na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame.
Em uma entrevista de 1990, Page disse que o álbum levou apenas cerca de 36 horas de estúdio (durante um período de algumas semanas) para ser criado (incluindo mixagem), acrescentando que ele só sabia disso devido ao valor cobrado na conta do estúdio. Uma das principais razões para o curto tempo de gravação foi de que o material escolhido para o álbum tinha sido bem ensaiado e pré-arranjado pela banda na turnê da Escandinávia do Led Zeppelin em setembro de 1968. Como Page explicou, "a banda tinha começado a desenvolver os arranjos na turnê escandinava e eu sabia qual o som que eu estava procurando. Ele só veio junto com uma rapidez incrível".
Além disso, desde que a banda ainda não tinha assinado o seu contrato com a Atlantic Records, Page e o empresário do Led Zeppelin, Peter Grant, pagaram pelas sessões inteiramente eles mesmos, ou seja, não havia dinheiro da gravadora a perder com o tempo de estúdio excessivo.
Além disso, desde que a banda ainda não tinha assinado o seu contrato com a Atlantic Records, Page e o empresário do Led Zeppelin, Peter Grant, pagaram pelas sessões inteiramente eles mesmos, ou seja, não havia dinheiro da gravadora a perder com o tempo de estúdio excessivo.
Led Zeppelin,
Coda é o nono álbum de estúdio (álbum póstumo), editado em 1982, contendo versões inéditas e sobras de estúdio, de toda a carreira da banda Led Zeppelin.
Led Zeppelin,
Houses of the Holy é o quinto álbum de estúdio da banda britânica Led Zeppelin, lançado em 1973. Durante a turnê de divulgação dois shows foram filmados originando o álbum ao vivo e filme The Song Remains the Same. Foi o último álbum lançado pela gravadora Atlantic Records. O álbum marca uma mudança no estilo do som da banda. Os riffs de guitarra se tornaram mais trabalhosos, com tecnicas e influências do blues. Apresenta estilos não vistos nos álbuns anteriores da banda, como por exemplo, "D'yer Mak'er", que possui uma influência do reggae(A pronúncia de D'yer Mak'er é a mesma de Jamaica em inglês); "No Quarter" apresenta uma introdução com sintetizadores e um solo de piano do baixista John Paul Jones, "The Crunge" é um tributo funk a James Brown; A música que encerra o álbum "The Ocean" é dedicada ao "o oceano" de fãs que assistiam ao shows do Led Zeppelin.
Este é o último álbum do Led Zeppelin pela gravadora Atlantic Records, antes de criarem sua própria gravadora, a Swan Song Records, em 1974. Este também é o unico álbum do Led Zeppelin que contem todas as letras impressas no encarte.
Em 2003, o álbum foi escolhido pela revista Rolling Stone como número 149 na lista dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos"
"Houses of the Holy" é também o nome de uma música gravada durante as sessões deste álbum, mas não lançada até Physical Graffiti, álbum de 1975. Outras músicas gravadas, mas que não aparecem neste album são "Walter's Walk", "The Rover" e "Black Country Woman".
Este é o último álbum do Led Zeppelin pela gravadora Atlantic Records, antes de criarem sua própria gravadora, a Swan Song Records, em 1974. Este também é o unico álbum do Led Zeppelin que contem todas as letras impressas no encarte.
Em 2003, o álbum foi escolhido pela revista Rolling Stone como número 149 na lista dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos"
"Houses of the Holy" é também o nome de uma música gravada durante as sessões deste álbum, mas não lançada até Physical Graffiti, álbum de 1975. Outras músicas gravadas, mas que não aparecem neste album são "Walter's Walk", "The Rover" e "Black Country Woman".
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